Farandulero
Amy Adams hace una rara aparición en el escenario, y la primera en Londres, como Amanda Wingfield, la matriarca dominante, fanfarrona y delirante de la obra de memoria semi-autobiográfica de Tennessee Williams, La colección de animales de cristal. Podría parecer que el personaje fue hecho a la medida para el formidable Adams, múltiples nominado al Oscar, quien tan a menudo es experto en la zona fértil entre la locura, la fragilidad y la oscuridad. Y, sin embargo, mientras ofrece una actuación perfectamente encantadora en el renacimiento del West End de Jeremy Herrin, sorprendentemente no logra encontrarle ninguna ventaja.
Es difícil juzgar si esto es un síntoma o la causa de una producción ligeramente decepcionante; a decir de todos, la obra es algo delicado que a menudo elude a los mejores. En el lado positivo, el bajo voltaje de la estrella de la tienda de campaña convierte la noche en un asunto de conjunto más pronunciado que siempre es gentilmente atractivo, y a través del cual un actor logra un grado de patetismo brevemente devastador.
Con el mundo actualmente tambaleándose al borde de la recesión, hay más que el habitual tono preocupante en la historia de la era de la Depresión de Williams sobre una familia sin padre que apenas sobrevive y un hijo que se tortura a sí mismo con un trabajo que detesta como el único sostén de la familia. El diseño de Vicki Mortimer de su apartamento en St. Louis, casi sin decorado, captura la penuria: una mesa vacía en el centro del escenario, desorden alrededor (algunas sillas, un tocadiscos, un piano viejo), el único color en el forma de vitrina de cristal que contiene los animales brillantes que representan el pasatiempo y única fuente de placer para una joven solitaria.
Este es el escenario de un drama doméstico que se centra en la determinación de la ex belleza sureña Amanda de ver a su solitaria y dolorosamente tímida hija Laura (Lizzie Annis) casada y con algún tipo de futuro asegurado, mientras que su hijo Tom trabaja en un almacén y sueña con ser un escritor, hirviendo a fuego lento con la vista puesta en escapar.
La profundidad de la obra proviene menos del escenario que de su narración, a través de la memoria o la invención —“la verdad en el agradable disfraz de la ilusión”— del viejo Tom. El director Herrin, que puso en escena una excelente producción de todos mis hijos en el Old Vic en 2019 con una actuación fabulosamente volátil de otra realeza de Hollywood, Sally Field, aborda este elemento con un dispositivo aparentemente obvio pero que rara vez se usa: tener dos actores que interpreten a Tom. Pablo Hilton (La herencia) es el narrador mayor y poco confiable, Tom Glynn-Carney (el barquero) el joven agitador.
Es bastante efectivo, ya que ofrece una imagen palpable de en lo que se ha convertido Tom: un tipo libertino y desaliñado con toda una vida de arrepentimiento por abandonar a su familia grabado en sus rasgos; aunque nunca renuncia al elocuente giro de la frase del escritor, ¿es ese alcohol el que moja los bordes de su discurso? Este Tom merodea por los bordes de su propia historia, observando, incluso espiando la acción en lugar de simplemente relatarla, a veces incluso ofreciendo accesorios a los otros personajes: el teléfono, un espejo. Cuando el joven Tom le promete a su madre que nunca beberá, la versión mayor se hunde y pone su cabeza entre sus manos.
Glynn-Carney convence absolutamente como un joven «hirviendo por dentro», aportando la energía que tanto se necesita a los procedimientos, con una risa de hiena que da una pista de cómo el personaje puede descarrilarse. Las escenas de enojo de Tom con su madre, la frustración encontrada con la tolerancia estudiada, tienen un toque de verdad.
Pero mientras que Adams tiene una relación agradable y de empujones con Glynn-Carney, y extrae el humor de las afectaciones de Amanda, especialmente cuando se viste para revivir sus supuestos días de gloria recibiendo números récord de «llamadas de caballeros», ella no evoca el pasivo- la agresividad que seguramente forma parte de la caja de herramientas del personaje, o el indudable dolor del abandono de su marido años antes, al que tantas veces se alude. Y el aspecto de belleza sureña está tan reducido que es casi inexistente. Esto se siente como una versión diluida de lo que podría ser el personaje.
A medida que la novedad del Tom dual se desvanece, la producción necesita encontrar su poder en otra parte. A pesar de una actuación atractiva de Victor Alli como Jim, quien ensaya una línea difícil entre la amabilidad y la pomposidad como posible pretendiente de la hermana de Tom, la decisión de Herrin de jugar su largo tete-a tete a la luz de las velas amenaza con extinguir el drama por completo. Pero está guardado, y algo más, por Annis.
Haciendo su debut profesional, Annis ya le ha dado a Laura una vulnerabilidad conmovedora, mezclada con el tipo de terquedad que nace de una vida en soledad, haciendo de uno su propio entretenimiento. Ahora, con la crueldad torpe de Jim, con el corazón roto, se encuentra perversamente paralizada, con una dolorosa sonrisa grabada en su rostro mientras su madre parlotea sobre su propia decepción. Es positivamente desgarrador.
Una mención especial para el diseño de video de Ash Woodward, que ocupa la pared del fondo del escenario con siluetas distorsionadas y distendidas, fotografías en sepia y abstracciones completas, para sumar el sentido de una historia contada a través de la memoria y el arrepentimiento.
Lugar: Duke of York’s Theatre, Londres
Reparto: Amy Adams, Paul Hilton, Tom Glynn-Carney, Lizzie Annis, Victor Alli
Dramaturgo: Tennessee Williams
Director: Jeremy Herrin
Escenógrafo: Vicki Mortimer
Vestuario: Edward K. Gibbon
Diseñador de iluminación: Paule Constable
Diseñador de video: Ash J Woodward
Diseñador de música y sonido: Nik Powell
Presentado por Second Half Productions
