Farandulero
Anne Hathaway conocía el guión de James Gray para su película semiautobiográfica Tiempo de Armagedón, en la que interpreta una versión de la propia madre del director, fue especial. Pero fueron cinco palabras específicas las que realmente la convencieron de querer asumir el papel.
«Cuando escuché ‘James Gray, parte apropiada para la edad’, pensé: ‘Di que sí, descubriremos los detalles más tarde'», dice Hathaway. El reportero de Hollywood. “Y luego lo leí y me pareció una pieza de honestidad abrasadora. Es una película sobre el arrepentimiento moral y los paralelos que dibuja entre 1980 y 2022. Todo realmente me habló: la inteligencia, el humor, la calidez, la tristeza, la violencia, todo. Solo pensé: ‘Esto es muy, muy raro’. Y me reuní con él, y después de algunas reuniones y un poco de tiempo, decidió que yo iba a interpretar el papel”.
La película, protagonizada también por Jeremy Strong, Jaylin Webb, Banks Repeta y Anthony Hopkins, está ambientada en Queens a principios de la década de 1980, mientras el país atraviesa cambios políticos siniestros. Sigue al estudiante judío estadounidense Paul Graff (Repeta) mientras aprende sobre el privilegio de los blancos y el racismo mientras se encuentra en desacuerdo con sus padres, interpretados por Hathaway y Strong.
Hathaway habla con THR sobre por qué sus escenas con Hopkins la pusieron nerviosa, si dudaba en interpretar a una mujer judía y cómo era protagonizar junto a Strong.
¿Por qué crees que tu actuación, que ha sido aclamada por la crítica, resuena en tanta gente?
Algo que nos une a todos es el hecho de que todos éramos niños. Si llegaste a la edad adulta, eso significa que eras un niño. Y también hay un millón de complicaciones en eso que nos une, pero cuando pienso en la película, recuerdo cuando la vi por primera vez en Cannes. Y recuerdo estar en la audiencia en la escena cuando están en Corona Park [in Flushing Meadows, Queens]y están lanzando el cohete y Anthony Hopkins y Banks Repeta están teniendo una conversación sobre algunos de los niños [saying] malas palabras en la escuela. Sentí que los estómagos de toda la audiencia se contrajeron: hay un cambio colectivo en la energía, como si estuviéramos todos juntos en una línea. Luego tienen una conversación directa, que es algo que todavía estamos tratando de descubrir cómo tener en el mundo real. Pude sentir a la audiencia recordando un momento en el que desearon haber sido más valientes, ciertamente lo fui. Eso, para mí, tiene mucho que ver con lo que trata la película: esta idea de que tienes que ser tu yo más valiente, tienes que enfrentarte a los matones, tienes que ser un mensch. Y puede que no sume nada, pero tienes que hacerlo de todos modos.
Esa escena en particular, ¿diría que fue especialmente desafiante para usted ver o leer en términos de lo que está pasando?
Encuentro que la escena más desafiante para mí en esta película fue mi primera escena con Anthony Hopkins porque dejé de funcionar por completo. Como, no podía hablar como humano, no podía hablar como actriz, no podía decir mis líneas, no podía recuerda mis lineas No podía hacer el acento, en el que había trabajado muy, muy duro. Realmente, realmente, realmente no podía funcionar. En realidad, ese día fue genial porque me sentía muy estresado por hacer un buen trabajo con él, pero simplemente lo dejé salir. Pero también, estoy en una etapa de mi vida en la que estoy empezando a experimentar más y más duelo. Las personas a las que amo mucho, mucho han cambiado, y he tenido que cambiar mi relación con ellos de ser uno en el aquí y ahora a uno en el allá y en todas partes. Y eso es difícil. Así que esa parte se sintió tal vez como la escena más conectada conmigo de la película.
Todo el mundo se aflige de manera diferente y puede golpearlo cuando menos lo espera.
Ahora conozco algunas personas que han perdido a sus madres en diferentes etapas de sus vidas. Y tengo que decir que no creo que nunca dejes de llorar la pérdida de tus padres. Se convierte en algo con lo que vives, pero creo que te cambia. Me lo tomé muy en serio cuando estaba hablando con James, que le estaba hablando de alguien por quien está de luto.
Hablemos un poco de eso porque sabemos que la película es semiautobiográfica. ¿Cómo fueron tus conversaciones con James acerca de interpretar a su madre?
La mujer en la que se basa mi personaje murió unos años después de los acontecimientos de esta película, por lo que siempre fui muy consciente del hecho de que estaba hablando con James sobre algo tierno. No solo estaba hablando de un personaje y de cómo me gustaría interpretarlo. En realidad no podría tener ese tipo de fuerza. Era un personaje que estaba recibiendo y descubrí que las preguntas directas no eran útiles. encontré [myself] haciendo preguntas indirectas, algo que simplemente avivaría el fuego de su memoria, haciendo una pregunta simple como: «¿Qué tendría tu mamá jugando en el televisor cuando cocinaba?» Él respondería, pero luego conduciría a todos estos otros recuerdos porque la memoria no es realmente lineal. Es atmosférico y lo abarca todo. Descubrí que si solo intentaba sacarle “información”, en realidad no pensaba que estaba haciendo mi trabajo de la forma en que se suponía que debía hacerlo esta vez. Sentí que tenía que recibir el papel, permitir que el guión me guiara y luego permitir que la memoria de James lo coloreara todo. Y luego, una vez que tuve una comprensión real de eso, solo paso dentro de ella. Recuerdo el primer día que tuve un instinto como ella en el set. Fue una sensación muy buena porque la gente habla de la autoridad del director o de la autoridad, en este caso del hijo, la autoridad que tiene para interpretar a su madre; James nunca estuvo realmente interesado en la autoridad. Era más un co-conspirador. Y eso es lo que parecía que estábamos haciendo.
Jeremy Strong y Hathaway en Focus Features’ Tiempo de Armagedón.
Cortesía de funciones de enfoque
¿Qué tipo de preparación entró en el papel? Mencionaste tu trabajo de acento antes.
me encanta la linea [after the family watches Private Benjamin], “Judy Benjamin es una mujer liberada”. Entonces, estoy como, «OK, este es alguien que [is a] hijo de los años 60, líder idealista del PTA. Quiere ser parte de una tendencia social más amplia hacia la positividad. Ella cree en la comunidad; ella cree en todas estas cosas realmente, realmente, realmente geniales. Claramente, ella es alguien que está interesada en el avance de las mujeres”. Y no se me pasó por alto que tenía mucha responsabilidad al interpretar a una mujer judía, y que no soy una mujer judía. Hice lo que creo que todos hacemos, [which was to research]. A la luz del hecho de que somos la mitad del mundo, la historia de las mujeres todavía se considera como un nicho, lo cual es un poco extraño. Aprendí todo lo que pude sobre las mujeres judías, como las mujeres judías históricas. Sabía que era profesora de economía doméstica, así que estudié eso. Pero no había mucho material sobre ella. James pensó que tenía videos de ella, pero no existían. Me dijo que me iba a dar todas estas fotos de la época, pero no lo hizo. Eventualmente le pregunté por qué y me dijo: “Porque la foto en realidad no te dice cómo la recuerdo o cómo la recuerdo. El recuerdo de ella es diferente, y no quiero que reproduzcas la foto. Quiero algo más. Entonces, fue como si tuviéramos que crear este éter entre nosotros, un éter de entendimiento. No sé si eso suena pretencioso, pero así es como se sentía. Y eso es lo que a veces se siente hacer cine y actuar. Era como crear espectros a nuestro alrededor hasta que se sentían lo suficientemente reales como para ponerlos en escena.
¿Alguna vez sintió temor al asumir este papel, interpretar a la madre del director pero también a una mujer judía cuando usted no es judía?
Sí, estaba nervioso acerca de cómo sería recibido. Me lo tomé muy en serio. Y esperaba que una audiencia me otorgara la capacidad de interpretar este papel a pesar de que no nací como mujer judía. En términos de inquietudes, James fue realmente empoderador. Durante todo el proceso, me sentí muy apoyada por él.
Lo que más me ponía nervioso era el efecto que iba a tener el COVID en la nave. Está mejorando ahora, pero hicimos esto en el otoño de 2021, y las medidas de COVID, aunque absolutamente necesarias, y no digo nada en contra de ellas, ocuparon al menos el 30 por ciento de la conciencia de todos. En el momento en que superó todas las cosas de COVID, realmente solo necesitaba llegar al set y disparar o se le acabará el tiempo. Eso dejó muy poco tiempo para la nave y su construcción. En realidad, no había forma de ensayar de forma satisfactoria. Y las interacciones humanas debían mantenerse al mínimo. Cuando interpretas a un personaje que requiere [so much preparation], estás construyendo todo: ella es muy diferente a mí. Y hay tantos pequeños detalles. Experimenté el miedo de que no iba a hacer que esa parte funcionara, que no iba a llegar a tiempo y que solo iba a ser un actor en una extremidad intentando algo y sin éxito. Entonces, sí, estaba nervioso por eso. Pero nunca estuve nerviosa por interpretar a la madre de James. Él no me dejó ser.
Su coprotagonista, Jeremy Strong, es conocido por ser un actor de método que profundiza en su propio proceso. ¿Cómo fue rodar frente a él y cómo se relacionaron ustedes dos?
Creo que el proceso es solo otra forma de decir cómo llegas allí y luego cómo te quedas allí. Me gusta una respuesta que escuché dar a Jeremy recientemente, que es [that] El proceso realmente se trata solo de concentración y la mejor manera en que te concentras. No me iría bien si tuviera un proceso que solo pudiera ser de una manera porque eso es asumiendo que todo va bien y que hay suficiente espacio para su proceso.
Estaba trabajando en un programa de televisión corto llamado Amor moderno. Hubo una gran escena de siete páginas en la que mi personaje, que sufre de trastorno bipolar, se confía a alguien por primera vez. Era una escena llena de giros y vueltas muy, muy, muy complicados. Y por alguna razón, cuando hicieron la búsqueda de locaciones, nadie se dio cuenta de que estábamos filmando en la base de una estación de metro, lo que significaba que teníamos un tren pasando por la toma cada dos minutos, lo que significaba que para hacer la escena , tuvimos que parar y congelar lo que estábamos haciendo y contener la emoción y esperar a que pasara el tren y luego retomar la escena como si nada hubiera pasado, hasta que el siguiente tren pasó dos minutos después. Y teníamos que hacer eso hasta que la escena estuviera terminada. Si hubiera tenido un enfoque dogmático de mi proceso, no habría manera de que hubiera sucedido.
Tengo un enfoque flexible para mi proceso, que es, lo que sea que te lleve allí. No me gustó que me pusieran en esa posición, pero también soy un actor lo suficientemente experimentado como para saber que sin importar cómo me sintiera acerca de la situación, el trabajo terminaría en la pantalla, así que en realidad no debería tener ninguna opinión sobre lo que estaba pasando. La mejor manera de avanzar era simplemente rendirse y hacerlo. Y estoy muy orgulloso de esa escena. Creo que es un muy buen trabajo, curiosamente.
Cuando hablamos de proceso, cuando hablamos de intensidad, cuando hablamos de método, cuando hablamos de todas estas cosas, todo está bien para mí. Nunca nada me parece extraño. ¿Si a alguien le gusta hacer bromas hasta el momento de la acción y luego, de repente, está llorando histéricamente? ¡Estupendo! ¡Fabuloso! Si no funciona para mí, mantendré mi distancia. He tenido la experiencia un par de veces. [where] alguien quiere permanecer en el personaje todo el tiempo. Genial, sin charlas, solo conectaremos entre la acción y el corte y esa será nuestra relación, y tal vez nos encontremos después. Está todo bien. Me encantan los actores, y somos tan bichos raros de la mejor manera posible, y estoy tan emocionado de estar en la lucha.
Entrevista editada por su extensión y claridad.
Esta historia apareció por primera vez en una edición independiente de diciembre de la revista The Hollywood Reporter. Para recibir la revista, haga clic aquí para suscribirse.
