Cómo ‘Stereophonic’ se convirtió en la obra más nominada al Tony de la historia

David Adjmi no tenía intención de volver a entrar en el mundo del teatro.

Con un puñado de créditos en su haber, Adjmi había renunciado a escribir obras de teatro después de que una colaboración de alto riesgo fracasara. Luego, mientras buscaba cumplir con una última obligación de subvención para escribir obras de teatro, se le ocurrió la idea de Estereofónico, que fue nominada a 13 premios Tony esta temporada, convirtiéndose en la obra más nominada de la historia.

El proceso de creación de la obra, sobre una banda ficticia que intenta grabar un álbum exitoso en la década de 1970, tiene desafió y recompensó a colaboradores, incluido Will Butler de Arcade Fire, que escribió canciones para la banda, y los actores, que fueron llamados a interpretar esas canciones en la obra, aunque la mayoría de ellos no eran músicos antes de unirse al elenco. Y para Adjmi, la obra se transformó en una mirada profundamente personal a su carrera.

“Creo que la obra es casi mi inconsciente, o una parte profunda de mí que me dice que no me rinda como artista”, dijo Adjmi.

Estereofónico sigue a la banda de cinco personas a través del largo proceso de grabación de su álbum, que a menudo se ve interrumpido por tensiones crecientes entre los dos grupos de parejas dentro de la banda, así como por el guitarrista principal, Peter, quien puede ser brutal en su búsqueda de perfección musical. La obra de tres horas pone un enfoque de estilo documental en el proceso, salpicado de detalles técnicos de ingeniería de audio, diálogos naturalistas y la interpretación de canciones en el set que consta de un estudio de grabación insonorizado y una sala de control.

La obra, dirigida por Daniel Aukin, se estrenó en el Off-Broadway en Playwrights Horizons en otoño, antes de estrenarse en el Golden Theatre de Broadway en abril.

A Adjmi se le ocurrió la idea en 2013 mientras escuchaba el tema de Led Zeppelin. “Nena, te voy a dejar” en un vuelo. Dijo que se sintió atraído por la “volatilidad emocional” dentro de la canción y la posibilidad de utilizar las oportunidades sonoras de un estudio de grabación, incluido apagar y encender los micrófonos en la cabina insonorizada, y las canciones mismas, para dar cuerpo a una historia. . Fleetwood Mac fue una referencia de la agitación interpersonal, dice, pero no la fuerza rectora.

Como ocurre con cualquier obra de ficción, Adjmi tuvo la presión de encontrar canciones para la obra que convencieran al público de que esta banda ficticia se dirigía hacia el estrellato. Cubrió esto un poco en el guión al permitir que solo dos de las canciones de la banda se tocaran en su totalidad, generando anticipación con fragmentos de otras canciones y con la revelación, al final de la obra, de que la mayoría de las canciones sonaron para el La audiencia no hizo el álbum.

«Lo hice muy deliberadamente, porque quería que la gente no se centrara en esto como una presentación para ustedes, la audiencia, sino como una visión del proceso», dijo Adjmi.

Antes de que el guión se materializara, solicitó la ayuda de Butler, en quien confiaba para escribir la partitura. Butler, multiinstrumentista y ex miembro de la banda Arcade Fire, no había escrito previamente para teatro (había contribuido con la banda sonora de la película Su), pero dijo que quedó intrigado cuando escuchó el tono de una banda que grababa hermosas canciones que nunca llegan al álbum, en medio de tensiones y luchas internas.

“La gestalt fue muy clara desde el principio, porque he vivido esa vida y he vivido esa angustia en la que pienso: ‘Oh, estos 90 segundos de música son trascendentes, y luego los arruinamos. ‘”, dijo Mayordomo.

A medida que partes del guión se materializaron a lo largo de los años, Butler comenzó a crear el sonido de la banda escuchando los álbumes que pensaba que podrían haber influenciado a los músicos de los años 70, desde David Bowie hasta artistas mexicanos y jamaicanos y terminando con Tom Petty, que tocó en bucle. Al final, Butler llegó a un sonido que él llama «muy post-Buffalo Springfield» con «grandes tambores carnosos» y «armonías vocales realmente hermosas».

Cuando se trataba de escribir «Mascarada,» En la primera canción completa que se escuchó en la obra, Butler dijo que trató de ignorar la presión de componer una canción exitosa y se concentró en un riff de guitarra que le gustaba, para luego completarlo con armonías medievales en capas. El proceso fue algo similar a escribir para su propia banda.

“Nadie sabe nunca si es una canción exitosa hasta que la publicas. Lo publicas y a veces es un fracaso y otras veces es un éxito. Está tan determinado por fuerzas fuera de tu control. Pero dentro del mundo de la obra, pensé: ‘Esto definitivamente funciona y creo que es bastante bueno’”, dijo Butler.

Desde entonces, la partitura, incluida esa canción, ha sido elogiada por la crítica y fue nominada a un premio Tony a la mejor partitura, una rareza en una categoría típicamente poblada por musicales.

El guión en sí, que terminó teniendo 210 páginas, también está escrito «a un centímetro de su vida», señala Adjmi, estableciendo ritmos exactos para un diálogo hipernaturalista, en el que los actores se interrumpen entre sí y mantienen conversaciones simultáneas. o momentos de silencio. Debido a las exigencias de ese guión, el proceso de casting implicó buscar actores primero, quienes luego podrían aprender a formar parte de una banda.

Tom Pecinka, que ahora está nominado al Tony por su papel de Peter, el quisquilloso guitarrista principal de la banda, entró a las audiciones y solo podía tocar algunos acordes en la guitarra. Durante las devoluciones de llamada, comenzó a tomar lecciones de guitarra dos veces por semana y siguió adelante incluso después de que su maestro le dijera que nunca podría tocar al nivel necesario, un hecho que no compartió con la producción en ese momento.

“Lo jugué con calma. Intenté jugar con la mayor confianza posible”, dijo Pecinka. «Simplemente trabajé muy duro».

La carrera fuera de Broadway todavía era “increíblemente estresante”, señala, pero después de más de 100 shows y después de grabar el álbum del elenco del programa, ahora finalmente se siente más cómodo tocando en el escenario, hasta el punto de poder divertirse.

Sarah Pidgeon, que ahora está nominada al Tony por su papel de Diana, la vocalista principal de la banda y novia de Peter, todavía tiene algunos nervios en el escenario, pero ha aprendido a canalizarlos a través de su personaje, quien, según ella, también está lidiando con los altibajos de la vida. el proceso de grabación.

“Ahora que he hecho este papel y que tengo un álbum publicado, no puedo decir que ya no soy cantante. También es algo que me hace sentir muy vulnerable”, dijo Pidgeon.

Aprender el diálogo hipernaturalista de la obra requirió mucha repetición, y eso ahora se ha convertido en una segunda naturaleza, dijo Pecinka. Un desafío continuo para ambos es combinar la interpretación de música en el escenario con las emociones necesarias para la obra: Pidgeon hace referencia a una escena en la que inmediatamente tiene que pasar de llorar detrás del escenario en medio de una discusión con el personaje de Pecinka a finalmente tocar una nota alta en la cabina de grabación después de varios tomas fallidas.

«La obra es una bestia sin música», dijo Pecinka. “Una cosa es ser una banda y tocar un concierto, canción tras canción, pero ir y hacer una escena realmente emotiva, y luego tienes que ir y tocar una canción, es una experiencia muy diferente”.

Fue durante el proceso de audición, mientras los personajes recitaban ciertas líneas una y otra vez, que Adjmi se dio cuenta de que la obra se había vuelto autobiográfica. Tuvo que salir de la habitación en un momento dado porque se sentía físicamente mal. No es un personaje o escena específica, dijo Adjmi, sino que ve partes de sí mismo reflejadas en todos los personajes.

«Creo que hay una guerra en esta obra entre la creación y la entropía y entre la creación y la destrucción, y creo que hay una parte de mí que es muy autodestructiva, y que quiere no ser lastimada y no ser herida y no Vivimos con la humillación de esas heridas”, dijo.

Incluso ahora, Adjmi dijo que le resulta difícil ver la obra, comparándola con “que la gente te vea mientras te duchas”, en términos de vulnerabilidad y conexión personal. Pero señala que eso también puede ser parte del proceso artístico.

«Creo que, en general, ese es mi trabajo como dramaturgo», dijo Adjmi. “No me gustan los libros que están bien elaborados, pero que se alejan un poco emocionalmente del escritor. Quiero sentir que hay piel en el juego. Y quiero sentir que al escritor le cuesta algo hacer esto y que realmente sondeó y exploró el material de manera adecuada. Pero cuando haces eso, cuando realmente lo haces, es vergonzoso. Y es difícil verlo frente a una audiencia”.

Aunque la presentación en Broadway aún continúa, al menos hasta el 18 de agosto, Adjmi dijo que ha estado teniendo “muchas, muchas conversaciones” sobre planes para otras producciones de Estereofónicotanto a nivel nacional como internacional, así como posibles otras adaptaciones, incluida una versión cinematográfica.

Adjmi también ha vuelto a comprometerse con el mundo del teatro y está en proceso de trabajar en una obra de dos partes para el Public Theatre y una ópera rock con Butler. Si bien los elogios de la crítica y las nominaciones al Tony brindaron cierta afirmación a Adjmi, dice que crear Estereofónico le proporcionó la máxima motivación para continuar.

“La obra en sí y su realización con mis colaboradores, que son algunas de las mejores personas que he conocido y con las que he trabajado, eso es lo que me sanó. Y eso fortaleció mi determinación y curó mis heridas”, dijo.