El director de ‘The Sea Beast’, Chris Williams, habla sobre el uso de un «estilo clásico, pero con ideas contemporáneas» para la aventura de acción animada

Después de 25 años de trabajar en la animación de Disney, el director Chris Williams decidió que Netflix era el lugar adecuado para finalmente hacer la aventura de acción animada con la que siempre soñó. la bestia marina. La película sigue a Jacob (Karl Urban), un cazador de monstruos marinos, y Maisie (Zaris-Angel Hator), una joven polizón, mientras se unen a la tripulación del Inevitable y se embarcan en la caza del escurridizo Red Bluster. La pareja pronto descubre que las bestias no son tan siniestras como se rumorea, lo que hace que Jacob se enfrente a la idea de lo que realmente significa ser un héroe. La película fue animada por Sony Pictures Imageworks, quien también proporcionó la animación el año pasado para Los Mitchell contra las máquinas.

FECHA LÍMITE: ¿De dónde surgió la idea de la bestia marina ¿viene de?

CHRIS WILLIAMS: Cuando era más joven, me encantaban las películas y, en particular, las historias de aventuras. Recuerdo estar completamente absorto y cautivado con la idea de aventurarme en un territorio desconocido. Recuerdo haberlo pasado muy bien viendo En busca del arca perdida y ser muy consciente del hecho de que los adultos hicieron esa película. Me hizo darme cuenta de que podía crecer sin abandonar todas las cosas que amo y, extrañamente, fue un momento muy reconfortante para mí.

Estuve en Disney Animation durante 25 años, y todo el tiempo pensé: «Vaya, ¿no sería genial algún día hacer una película de acción y aventuras en animación?» Entonces, eso siempre me estaba carcomiendo. Al mismo tiempo, me encantaban esos viejos mapas sin terminar, donde los creadores de mapas se sentían obligados a poblar esas grandes franjas abiertas de océano con estos monstruos marinos realmente fantásticos.

Eventualmente, comenzó a cobrar fuerza como historia, y tuve esta increíble oportunidad en la que Netflix Animation estaba naciendo. Eran nuevos y querían contar diferentes tipos de historias, historias arriesgadas, así que les hablé sobre esta idea de una gran película de acción y aventuras con monstruos marinos. Estaban realmente entusiasmados con eso, pero les advertí que iba a ser increíblemente ambicioso y no económico, y no tenían ningún miedo.

DEADLINE: Entonces, ¿cuál dirías que fue la parte más ambiciosa?

WILLIAMS: Creo que es solo la gran escala del mundo. Hicimos hincapié en que queríamos que esto se sintiera inmersivo, y eso finalmente se reduce a preocuparnos por los detalles. Vamos a muchos lugares diferentes, por lo que queríamos una cultura e historia realmente ricas y creíbles para este mundo, y la forma en que lo transmites es asegurándote de que estás prestando atención a las pequeñas cosas. Muchas veces, hay elementos en el marco que no necesariamente atraen tu atención, pero solo te hacen creer en lo que estás viendo. Y, por supuesto, nada en la animación simplemente sucede, ya sabes, todo es una elección. Todo tiene que diseñarse y construirse, por lo que realmente le está pidiendo a la gente que compre ese océano y haga un esfuerzo adicional para hacer que el mundo se sienta rico y creíble.

Además, solo el gran volumen de los efectos, ya sabes, había mucha interacción con el agua y fuimos muy afortunados de trabajar con Sony Imageworks porque tenían experiencia con ese tipo de cosas. A menudo decía: «Oye, si necesitas que me replantee un poco y elimine ese contacto con el agua, podríamos hablar de eso». Pero creo que estaban orgullosos de lo que estaban haciendo en la película, y creo que querían mostrar lo que podían hacer. Nunca rehuyeron un desafío, lo que creo que es una de las mejores cosas de la industria de la animación: la gente no tiende a huir de un desafío.

DEADLINE: Tienes estas grandes escenas de lucha entre los monstruos marinos y los barcos, y también tienes esa entre Red y el cangrejo gigante, ¿cuál es el proceso de animarlas?

WILLIAMS: Bueno, siempre supimos que queríamos una gran batalla de kaiju adecuada. Cuando tienes una película sobre monstruos, es casi una promesa para el público de que obtendrán ese momento en el que dos grandes monstruos se enfrentan. Es un proceso de años que comienza hablando con el equipo de historia sobre la historia y el personaje. La historia tiene que seguir avanzando, y tienes que sentir un peligro real y cambiar a lo largo, así que hablaríamos de ello desde el punto de vista de la historia, y luego entraríamos en la coreografía y pasaríamos meses y meses haciendo un guión gráfico de esas escenas complicadas. , y volver a hacer el guión gráfico, y luego mirarlo en editorial y volver a trabajarlo.

Y estoy trabajando con gente como Owen Sullivan, nuestro jefe de historia, que es un maestro de la coreografía de acción y sabe que es importante hacer que sea entretenido además de emocionante y peligroso. Nuestra editora Joyce [Arrastia] es realmente bueno con la acción y el tiempo e increíble con todos los efectos de sonido que necesitamos para que la escena cobre vida. Entonces, es una colaboración con personas talentosas durante muchos meses y, en última instancia, años lo que lleva a hacer que esas escenas funcionen. Siempre he sido un verdadero fanático de la acción en las películas, y cuando lo haces bien, se siente como si fuera puro cine.

FECHA LÍMITE: La película tiene este mensaje que realmente no escuchas a menudo, donde puedes ser un héroe y aun así estar equivocado. Y es la elección que haces después de descubrir que estás equivocado lo que realmente te define. De donde vino eso?

WILLIAMS: Al principio hablé sobre la idea de que la película trata sobre este ciclo de violencia, y cómo se perpetúa y lo difícil que puede ser romper ese ciclo a veces. A medida que exploramos eso, lo profundizamos un poco más y dijimos que hay momentos en los que entidades poderosas intentarán crear una narrativa que nos enfrente entre nosotros para ayudar a acelerar y perpetuar ese ciclo para servir a sus propios fines. Fue en esa profundización que comenzamos a ver realmente esta intersección en la que no se trataba solo del ciclo de la venganza. También era algo que se usaba casi como un arma. Seguimos reescribiendo y guiando la historia de esa escena en el caparazón, porque parecía que había algo que estábamos tratando de decir y no salía. No habíamos encontrado una manera de articularlo hasta que se nos ocurrió esa línea: «Puedes ser un héroe y aun así estar equivocado». Realmente te hace entender que todos operamos con los hechos que tenemos y tienes que ser juzgado con el conocimiento de que eso es todo lo que tenemos para operar.

A veces, alguien puede estar haciendo algo que se siente mal, pero desde su perspectiva parece correcto, y tenemos que hablar de eso. Eso tiene que ser parte de la conversación. A medida que desarrollamos la historia a lo largo de los años, también hablamos de las ideas temáticas que deben estar debajo de la historia. Una de las cosas de las que hablamos mucho es que queríamos hacer una película que se sintiera como una historia pura de acción, aventuras y fantasía que llevara sus influencias en la manga. Quería que se sintiera como una historia de aventuras clásica, pero al mismo tiempo estamos tratando de hablarle a una audiencia hoy. Creo que esa fue una de las cosas que le da energía a la película. Tiene un estilo clásico, pero ideas contemporáneas.