El guionista y director de ‘Cha Cha Real Smooth’, Cooper Raiff, sobre cómo dirigirse a sí mismo: «Lo más cerca que puedo estar es en la escena»

Cooper Raiff comenzó la pandemia al llevarse el primer premio en el festival de cine SXSW 2020 cancelado por COVID con su debut cinematográfico, mierda. Menos de dos años después, su segundo trabajo, Apple’s Cha Cha Real Suave, que sigue a un recién graduado universitario que entabla amistad con la joven madre Domino (Dakota Johnson) y su hija autista, Lola (Vanessa Burghardt), se estrenó en Sundance. Raiff habló con THR sobre escribir y dirigir su segundo largometraje, realizar un casting auténtico y descubrir qué tamaño de película funciona mejor para él.

¿Qué es para ti una buena película sobre la mayoría de edad?

Alguien que quiere crecer, alguien que quiere hacerlo mejor. Hay muchas películas sobre la mayoría de edad que no se centran en una persona que quiere algo mejor para su vida, y no estoy interesado en esas películas. Estoy muy interesado en las películas que siguen a alguien que está tratando de hacer lo mejor que puede. Vemos lo que los bloquea, pero vemos cuánto se esfuerzan.

Tu hiciste mierda mientras todavía estabas en edad universitaria y hacías Cha Cha Real Suave cuando tenías poco más de 20 años. ¿Te atrae contar historias sobre personas que se encuentran en periodos de transición similares?

Realmente me gusta hacer películas sobre una persona de la que aún no me he desprendido. Todavía puedo aferrarme a esos sentimientos, y todavía me siento muy agradecida por la relación o simplemente se siente visceral. Cuando trato de escribir cosas sobre cosas que tal vez una vez se eliminan, lo escribo y luego lo guardo. Pero cuando siento que estoy escribiendo sobre algo de lo que no estoy seguro, da miedo y me emociona más pasar todo el tiempo con eso. Porque hacer una película es un proceso muy largo. Me gusta mucho escribir algo sobre una persona que se siente tan cercana a mí pero de la que no sé mucho.

¿Hubo algún momento en el que consideraste elegir a una actriz no autista para Lola?

No, no lo hubo. Pedimos ver solo actores autistas.

¿Qué les dirías a los cineastas que se sienten intimidados o desanimados al hacer un casting auténtico para una discapacidad en pantalla?

«¿Por qué lo escribiste?» Realmente no entiendo por qué escribirías [the] personaje. Me quita la diversión de por qué estás haciendo lo que estás haciendo. Estás tratando de hacer algo grandioso en lugar de hacer algo significativo, y eso nunca es lo que quiero. Tampoco tiene sentido, si yo dijera: “¿Quién es la mejor persona para Lola? Probablemente alguien que no se parece en nada a Lola, ¿verdad? No, no es. Entiendo que sea desalentador. Hay realidades para la representación. Pero, para mí, no es blanco o negro. Es como: «¿Cuál es la intención de tu corazón aquí?» Hay momentos en los que entiendo por qué esta persona hizo lo que está haciendo y la reacción [to their casting choices] no se siente tan pensativo como debería. Pero, en su mayor parte, se siente un poco asqueroso elegir a un ganador del Oscar. ¿Por qué estás haciendo la película? ¿Tener el mejor rendimiento de todos los tiempos? ¿O estás haciendo algo porque te importa mostrar quién es esta persona y por lo que está pasando? Porque la forma de hacerlo no es solo conseguir a este brillante actor, es realmente profundizar, y da flojera no hacerlo.

No protagonizarás tu próxima película. ¿Tu estilo de dirección cambió por eso?

noto mas similitudes [between just directing and acting and directing]. Me gusta dirigir lo más cerca posible de los actores, así que estoy justo detrás de la cámara. Cuando miro un monitor, no solo confío en el hecho de que la cámara va a capturar lo que sucedió en la habitación. Hay una energía en una habitación con actores que sienten cosas que tú puedes sentir y captar y, ya sabes, «Oh, eso fue todo». Eso es lo que me encantaba de actuar y dirigir, porque lo más cerca que puedo estar es en la escena. He aprendido mucho sobre lo relajante que es y lo mucho más agradable que es dejar que las personas talentosas sean tan talentosas y no tener ninguna presión sobre mí mismo para estar a su nivel.

En una entrevista, habló sobre querer encontrar un «punto óptimo» en términos del tamaño de las películas que desea hacer. ¿Qué es eso para ti?

Creo que existe este punto dulce de un conjunto íntimo. Probablemente estaba hablando de que no entiendo por qué la gente no hace películas a un precio determinado. Pero creo que cada película quiere algo diferente y [even] quiere un tamaño de tripulación diferente. La parte más importante, al pensar como productor, es asegurarse de que no se está poniendo una manta. Tal vez una película debería rodarse en 30 días. Tal vez una película debería rodarse en ocho días, porque esa es la mejor versión y tiene que estar en esa olla a presión.

¿Tienes el deseo de hacer una película de estudio o de mayor presupuesto?

voy a tener una oportunidad [for] proyectos más grandes en los que trataré de trabajar y luego me daré cuenta de que, a medida que me meto más y más, me estoy alejando cada vez más. Amo a Ryan Coogler, quien hizo Estación Fruitvale y luego hizo Credo. Qué gran paso adelante, pero se sentía tan orgánico. Lo mismo con Greta Gerwig, pasando de dama pájaro a Pequeña mujer. Yo estaba como, «Oh, esto es lo que ella estaba esperando». Si encuentro la manera de entrar en un libro muy conocido, intentaré hacerlo absolutamente. Pero, en este momento, me quedo con cosas más pequeñas.

Entrevista editada por su extensión y claridad.

Esta historia apareció por primera vez en una edición independiente de diciembre de la revista The Hollywood Reporter. Para recibir la revista, haga clic aquí para suscribirse.