Farandulero
Tras adaptaciones de videojuegos bien recibidas como la de HBO El último de nosotros o Prime Video Caerel momento del cortometraje de comedia dramática de fantasía Chuck y Fern No podría ser más apropiado. El cortometraje, que se estrenó mundialmente el viernes en el Festival Internacional de Cine de Cortometrajes de Los Ángeles, que califica para los premios Oscar y BAFTA, sigue la historia de dos personajes de videojuegos, Chuck (Lorena Jorge), un villano de segunda categoría, y Fern (Mateo Mpinduzi-Mott), un espadachín despreocupado inspirado en Link, que enfrentan una crisis existencial cuando se enteran de que el niño que juega a su juego está pasando por momentos difíciles en casa. Aquí, el dramaturgo y cineasta Henry Alex Kelly Habló con Dead-line sobre la importancia del escape creativo, el poder del crowdfunding y el trabajo con otros actores y equipos afrolatinos.
DEADLINE: Esta película basada en un videojuego se inspira en los videojuegos y tiene como referencias a ellos. Pero, más que eso, trata de algo más profundo: trata sobre el abuso doméstico. ¿Por qué utilizar el mundo de los videojuegos para contar esta historia?
HENRY ALEX KELLY: Sí. Es una historia intensa, pero me gusta hacer historias entretenidas que también incluyan medicina. Existe este aspecto de un niño pequeño que se escapa a través de los juegos. Para mí, ver a gente jugando videojuegos… todo el mundo tiene algo que hacer en su vida. Vengo de una familia en la que se peleaban y gritaban y cosas así, pero los videojuegos me ayudaron a escapar de esos sentimientos y emociones y me ayudaron a encontrar consuelo. Y muchas de las películas y cosas que me inspiraron, como Taika Waititi, que tiene una forma hermosa de poner tanta comedia, diversión y sentimiento en estos temas tan intensos de Chico a Thor: Ragnarok.
DEADLINE: ¿Cómo empezó el proceso de escritura para ti? ¿Estas dos ideas, la de los videojuegos y la de la violencia doméstica, se bifurcaron o siempre estuvieron entrelazadas?
Kelly: En un principio, esto empezó como una obra de teatro. En la versión de la obra, Chuck y Fern hablaban con el público, pero no se puede hacer un corte a algo que sucede en el mundo real en una obra de teatro. Tiene que ser solo lo que se ve en el escenario. Yo pensaba que esto iba a ser una locura, pero estaba pensando en Toy Story y pensé: “Bueno, Andy juega con sus juguetes, pero ¿qué pasaría si alguien muy real cayera y estos juguetes tuvieran que ver esto? ¿Cómo reaccionarían y qué sería eso?”. Y pensé: “Bueno, creo que estarían en un lugar donde, ‘Bueno, tenemos que ayudar a nuestro hijo. Tenemos que ayudar a esta persona que está conectada con nosotros y ha estado aquí con nosotros toda su vida y toda nuestra vida’”. Así que ambas ideas se dieron desde el principio.
DEADLINE: Esta película tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Cortometrajes de Los Ángeles. ¿Cómo fue esa sensación?
Kelly: Sí, y llegué a la ronda final de cortometrajes en Dream Con en Texas. Pero este es mi primer estreno mundial, mi primer debut como director y nunca he estado en el LA Shorts Fest. El viaje para llegar hasta aquí ha sido una locura.
DEADLINE: ¿Cuáles fueron algunos de los desafíos para darle vida a tu debut como director, ya sea en el proceso de escritura o de dirección?
Kelly: ¿Por dónde empiezo? ¿Tenemos ocho horas? Todavía tengo la mentalidad de hacer teatro de caja negra toda mi vida. Siempre he tenido que conformarme con mi pequeño presupuesto y ser creativa. Por ejemplo, ¿cómo voy a hacer que este animal parlante suceda? «Oh, tenemos un títere de calcetín y ojos saltones que serán entretenidos y transmitirán ese mensaje». Los desafíos para Chuck y Fern Dijimos: «Bueno, quiero que se desarrolle en un bosque de videojuegos. Intentemos encontrar algo que pueda contener esta vegetación y esta belleza sin que sea tan caro, porque se trata de una producción cinematográfica independiente de bajo presupuesto». Hicimos una campaña de financiación colectiva para esta película y fue increíble ver a la comunidad de personas que se unieron para ayudar y promover esta película.
Lo más difícil fue reconocer que, en cada paso del camino, tenía que preguntarme: “Bien, ¿cómo vamos a hacer esto?”. Cada vez que preguntaba, algo se abría y se hacía notar, lo que facilitaba el proceso. Me dejó atónita. La organización LGBTQ sin fines de lucro Q Youth se inscribió como patrocinador fiscal, y eso nos permitió obtener la exención de las tarifas para filmar en Griffith Park, por ejemplo. Fue hermoso y una locura. Fue un honor trabajar con ellos y con todos para hacer este cortometraje; realmente se necesita un pueblo.
DEADLINE: Esto tiene dos aspectos, pero creo que es muy interesante que los personajes principales sean enemigos de los videojuegos. Sin embargo, en el metaverso de todo esto, son amistosos entre sí. ¿Por qué no hacerlos enemigos puros? ¿Puedes hablarnos más sobre cómo encontraste a tu elenco?
Kelly: Sí, es muy meta. Chuck es el villano y Fern es la heroína, pero en realidad, son más compañeros de trabajo que enemigos. Déjame ser realista también, los dos actores tenían una química increíble cuando estaban en el set. Fue lo más increíble que he visto. Entonces, Mateo interpretó la versión teatral de Fern hace unos años, y le dije: «Un día, vamos a convertir esto en una película». Avanzamos rápidamente hasta 2023 y dije: «Está sucediendo». Entonces, comenzamos a hacer el casting de los otros papeles y encontramos a Lorena Jorge, quien, según su autograbación, en el momento en que miró a la cámara, hizo clic en la cámara y tocó la pantalla, [as if she was trapped in a video game]Y yo pensaba: «Oh, ella sabe lo que hace. Conoce a este personaje en este mundo». También mostró una gran variedad de frustración, tristeza, ira y todas estas otras emociones.
Al final del corto, nuestra villana se convierte en la heroína. Ella inspira a Fern a existir en su trabajo y en lo que hace. ¿Sabes? ¿Alguna vez te has sentido así cuando estás haciendo tu trabajo y piensas: «Ya me cansé de esto, ya terminé»? Y luego sucede algo y piensas: «Oh, lo que hago realmente importa. Lo que hago está literalmente cambiando la vida de alguien». Tanto Mateo como Lorena tuvieron que equilibrar estas cosas emocionales profundas y este alto nivel de comedia, y simplemente se esforzaron más con la improvisación y el humor de estos personajes.
Luego, la madre, Adargiza De Los Santos, y el niño, Grayson Fox, este es su primer papel. Fue maravilloso dirigirlo y trabajar con él. Y recuerdo que cuando estábamos leyendo el guion, le dije: «Oye, amigo, estos son sentimientos muy fuertes».
Y él me miró y dijo: “Entiendo los momentos difíciles. He pasado por momentos difíciles. Lo entiendo completamente”. Y yo le dije: “Tienes nueve años”. Eso fue impresionante. Entonces, Adargiza lo ayudó a mantener ese espacio para esas grandes emociones. Lloré en el set cuando vi la escena de baile entre ellos. Fue muy agradable trabajar con todos.
DEADLINE: En cuanto a tu equipo, ¿encontraste a algunos de ellos en Instagram o por correo electrónico? ¿Cómo lograste reunirlos?
Kelly: Cuando escribí esta obra de teatro hace mucho tiempo, ya conocía a algunas personas con las que quería trabajar en la versión cinematográfica del proyecto. He sido amigo de mi productor, Gabe [Figueroa]durante mucho tiempo, y luego conocí a otro amigo, Eduardo [Ayres Soares]a quienes les pedí que fueran mis productores. Entonces, hicimos una financiación colectiva y luego, a través de eso, me conecté con esta empresa llamada By Association con la que Gabe había trabajado antes y me dijo: «Oye, deberías trabajar con este cineasta, Henry». Y así, Katherine Croft y Harriet Cauthery me presentaron a su empresa de producción. El resto del equipo era una mezcla de mis productores que encontraron personas con las que habían trabajado antes que dijeron: «Oye, esta persona sería genial para este proyecto». Entonces, busqué un director de fotografía que realmente me gustara y encontré a Adriel González, que había trabajado con muchos creativos negros y morenos, por lo que sabía cómo iluminar la melanina. Le envié un mensaje a Adriel a través de Instagram y le dije: «Oye, amigo, tengo este Inspirado en el estilo de Zelda película. ¿Quieres colaborar?” Y él me respondió: “Hermano, esto suena genial”. Entonces, nos conocimos y le dije: “Oh, tú eres cubano y yo soy centroamericano”. Así que la onda era muy inmaculada. Y fue muy fácil trabajar con él, muy divertido y maravilloso.
Mi compositor, Charlie [Rosen]Le envié un mensaje en 2021 aproximadamente. Fue un correo electrónico frío. Charlie hizo las orquestaciones para Moulin Rouge en Broadway. Y este musical llamado Sé más relajado que tanto me encanta. También tiene esta orquesta de videojuegos ganadora de un Grammy llamada The 8-Bit Big Band, así que sabía que Charlie era la persona indicada para hacer la música de esta película. Le encanta ZeldaSu música de videojuegos es muy hermosa y tiene muchas capas. Entonces, cuando le envié un mensaje, me dijo que me avisara más sobre cuándo estaba más cerca el desarrollo y luego avanzar rápidamente hasta 2023, y tenía el dinero de la financiación colectiva. Me comuniqué y le dije que tenía un presupuesto para incluirlo. Luego me preguntó si hacía esto y si podía hacerlo con una banda en vivo. Le dije que no tenía el presupuesto para todo eso, pero luego dijo: «Pagaré la banda y la grabación de la banda sonora, por favor». E inmediatamente le dije: «¿Quieres ser productor ejecutivo de este proyecto? Porque es una locura que estés haciendo esto de la manera más hermosa».
Y así fue como sucedió. Fue una locura. Y luego mi productor, Eduardo, hizo posproducción para una compañía de maquillaje llamada Anastasia Beverly Hills, contactó a otros productores de posproducción que hacen maquillaje y esas cosas. Se puso en contacto con los productores de posproducción que se enfocan en cosas comerciales importantes y otras cosas y les dijo: «Oye, estoy comprometido con esta película y el guión. ¿Te interesaría posproducir?» Y esta compañía llamada Flawless Post dijo: «Estamos listos. Te ayudaremos y haremos esto». Y sí, eso fue todo lo que sucedió.
DEADLINE: ¿Qué quieres que el público obtenga de este cortometraje que has realizado?
Kelly: Hay una cosa que quiero que la gente se lleve y luego otra cosa que me ha sorprendido durante todo el proceso. Y lo primero es que quiero que la gente piense en lo que les brinda más consuelo y alegría y les muestre cuánto este arte o esta cosa, ya sea un pasatiempo, libros o crochet, afecta profundamente su vida de manera positiva. Quiero que la gente mire hacia atrás, ya sea en su infancia o incluso en este momento de algo que ama, y diga: «Vaya, esta cosa que amo ha cambiado mi vida para mejor. Y me ha ayudado en tiempos difíciles y ha creado una sensación de alegría y coraje», o como sea que les hable de manera positiva.
Entonces, me llevé una sorpresa cuando la madre de Grayson me llamó después de leer el guion y me dijo llorando: “Ahora sé cómo ve mi hijo los juegos. Gracias”. Y yo le dije: “Dios mío”. Y, por cierto, esta película es una carta de amor a mi madre. Ella es la razón por la que juego. Ella y yo jugamos. Zelda A medida que fui creciendo, fue algo muy hermoso y conectivo.
También me propuse hacer este cortometraje afrolatino. Todo el elenco es afrolatino y gran parte del equipo era latino, latino de raza mixta, todas esas cosas. Las vibraciones eran geniales. Hay una gran diferencia cuando haces algo con personas de tu cultura, y es una imaginación sin límites porque piensas: «Nos identificamos con todo esto. No solo en el sentido cultural, sino incluso en el sentido nerd de los videojuegos». No era solo que estas personas fueran latinas, sino que eran latinos a los que les encantaban los videojuegos.
[This interview has been edited for length and clarity]
