Farandulero
Por Max Freeman
En el verano de 2021, tres destacados jóvenes músicos de pop lanzaron álbumes, al menos parcialmente, sobre cómo estar en el centro de atención pública estaba dañando su salud mental. Aunque las tesis de Billie Eilish Mas feliz que nuncade Lorde Energía solary de Clairo Honda no eran exactamente iguales, surgió un hilo común: la atención constante de sus grandes audiencias estaba derribando las barreras de privacidad, lo que resultó en las extrañas relaciones parasociales que las redes sociales fomentan entre los fanáticos y sus ídolos, y hacen que estos artistas se sientan incapaces de desconectarse de sus carreras musicales.
Al hablar con otros músicos jóvenes y expertos en salud mental, MTV News ha escuchado preocupaciones similares. Más importante aún, existe un consenso cada vez mayor de que la industria de la música debería hacer más para lidiar con cómo las redes sociales pueden ser tóxicas para la salud mental de los músicos, y que las plataformas sociales también deberían ayudar. ¿Un buen lugar para empezar? Pagar a los artistas salarios dignos y proporcionar mejores (o simplemente más) recursos de salud mental.
Tómalo de Stella Rose Bennett, la cambiante música pop de 22 años conocida como Benee, cuyo sencillo de 2019 «Supalonely» se convirtió en un gran éxito viral. La atención elevó su perfil, pero no fue un viaje del todo placentero, especialmente en su plataforma emergente, TikTok. “Los comentarios son horribles”, le dice Bennett a MTV News. “La gente es tan mala”, agrega, una noción que la estrella pop internacional Charli XCX recientemente repitió sobre su propia experiencia en Twitter. Bennett dice que, después de su álbum de 2020 Hola UX, vio que la gente la llamaba una maravilla de un solo éxito y la acusaba de ser un fracaso. “Ha sido muy difícil procesar que la gente se va a quedar dormida en un segundo”, dice, y no duda en decir que estos comentarios empeoraron su salud mental.
Piensa que las redes sociales deberían “filtrar [comments] así que no se trata solo de que la gente pueda decir algo realmente horrible, ni siquiera es una crítica constructiva a un artista”. Ella ha visto que este retroceso afecta a otros músicos: “Veré a un artista muy joven en vivo [while] llorando”, dice, “y dicen que la gente les dice cosas realmente horribles en la plataforma, y yo digo: ‘¿Cómo hacemos para que no sea así?’”.
Incluso si las redes sociales se transformaron milagrosamente en un faro de positividad, los artistas dicen que uno de sus mayores factores de estrés es la cantidad de contenido que necesitan publicar para el marketing digital y la participación de los fanáticos para simplemente seguir el ritmo de sus compañeros. Chelsea Cutler, la música de pop dormitorio que se volvió hi-fi, articuló este problema en profundidad en un artículo de enero de 2022. publicación de instagram que acumuló más de 104,000 me gusta, y con la que músicos tan destacados como la campeona de electro-folk Maggie Rogers y el superproductor de OneRepublic Ryan Tedder estuvieron de acuerdo públicamente. “Se siente agotador estar constantemente pensando en cómo convertir mi vida diaria en ‘contenido’, especialmente sabiendo que mentalmente me siento mejor cuando paso menos tiempo en mi teléfono”, se lee en una parte de la publicación. “También se siente agotador que todos en la industria le digan que esta es la única forma efectiva de comercializar música en este momento”.
“Las redes sociales son personas que anuncian sus vidas, se anuncian a sí mismos y anuncian lo que están haciendo”, dice Cutler, de 25 años, a MTV News. «Es agotador.» Ella llama a la participación constante en las redes sociales que se espera de los artistas una «carga». “Que esa sea la responsabilidad que tantos artistas están cargando es realmente estresante”.
La investigación sobre los niveles de estrés de los músicos sugiere que Cutler no está solo. En 2018, la Asociación de Investigación de la Industria de la Música (MIRA), el Centro de Investigación de Estudios de la Universidad de Princeton y MusiCares, la organización sin fines de lucro de atención de la salud mental operada por la Academia de Grabación, encuestado miles de músicos sobre su salud mental. La mitad de los encuestados informaron con frecuencia «sentirse deprimidos, deprimidos o sin esperanza». Del mismo modo, el 11,8 por ciento de los músicos informaron sentirse «mejor muertos o lastimados de alguna manera». El número correspondiente para la población general fue del 3,4 por ciento. Y en abril de 2019, el 80 por ciento de los músicos independientes de 18 a 25 años dijeron que sus carreras han causado estrés, ansiedad o depresión (o más de una de estas cosas).
La constante incertidumbre en torno a la seguridad de los espectáculos en vivo, y las frecuentes cancelaciones, en una era de preocupaciones constantes por el COVID-19 solo ha exacerbado estos problemas para los artistas. “Creo que la pandemia ha sido el principal catalizador de todo esto”, dice Cutler. “Realmente espero que la pandemia disminuya y podamos hacer conexiones en persona nuevamente con los fanáticos. Creo que eso restauraría mucho de lo que se siente perdido en este momento”.
Laetitia Tamko comenzó a lanzar música a una edad temprana hace poco más de media década y dice que su experiencia fue estresante mucho antes de que llegara la pandemia. En un tuit ahora eliminado, Tamko, que ha grabado rock de garaje y música electrónica bajo el nombre de Vagabon, dijo que la industria de la música es fundamentalmente explotadora. Es seguro asumir que un entorno así no es propicio para una gran salud mental.
“Somos las personas en primera línea haciendo este trabajo realmente agotador”, dice Tamko, de 29 años, a MTV News sobre los roles de los músicos en la industria. También aclara que la mayoría de las personas con las que se encuentra en la industria no son «explícitamente explotadoras», pero que ella «tuvo muchos momentos durante los últimos cinco años más o menos en los que he estado haciendo música en la que he sido como, ‘ Vaya, puedo pedir eso’”. La implicación es que los sellos discográficos por defecto mantienen a los artistas algo en la oscuridad para que puedan maximizar sus ganancias, a expensas de condiciones de trabajo saludables para las mismas personas que crean lo que venden. “Una forma en que la industria de la música puede ser más amigable con los artistas es que los salarios sean casi aceptables, de modo que los artistas no tengan que estar de gira constantemente para generar ingresos”, dice Tamko. “E incluso entonces, los artistas de mi nivel tienden a ganar mucho menos dinero que las personas detrás de escena”.
Músicos de todos los niveles necesitan hacer giras: un Citigroup 2017 reporte descubrió que la mayor parte de los ingresos de la industria de la música provienen de salir a la carretera. Esa es exactamente la razón por la que las giras se han reanudado incluso cuando la pandemia aún continúa, y también es una gran razón por la cual iniciativas como Viernes de Bandcamp surgió para compensar la pérdida de ingresos de los músicos. Menos dinero, por supuesto, significa más estrés: ¿cómo puede sentirse bien si apenas puede permitirse el lujo de existir? Del mismo modo, una Coalición del Futuro de la Música citada popularmente encuesta encontró que el 43 por ciento de los músicos no tienen seguro médico. La imagen era aún peor. antes de obamacare — y, más recientemente, empeoró nuevamente cuando miles de artistas cobertura perdida durante la pandemia.
Rhian Jones, coautor de Aviso sonoro, una guía profesional para músicos centrada en la salud, está de acuerdo con las afirmaciones y sugerencias de Tamko. “En los EE. UU., un estudio de 2017 dijo que el músico promedio gana alrededor de $ 35,000 al año, de los cuales solo $ 21,300 provienen de fuentes relacionadas con la música”, dice Jones a MTV News. El último número significa que solo alrededor del 60 por ciento de los ingresos de un músico estadounidense proviene de su música. También es menos de la mitad del salario promedio anual estadounidenses hicieron ese año. Hallie Lincoln, una trabajadora social clínica con licencia y cofundadora de la organización sin fines de lucro Backline de recursos de salud mental para músicos, dice que la mala salud mental puede plantear más obstáculos para mantener un ingreso estable para los músicos, incluso para los artistas pop de primer nivel, y para sus equipos. “Cuando la gente tiene que cancelar tramos de giras porque están experimentando problemas de salud mental, eso cuesta decenas de millones de dólares en ingresos” en toda la industria, le dice a MTV News.
Lincoln atribuye parcialmente la crisis de salud mental de la industria a una «grave falta de [mental health] recursos”, que es en parte la razón por la cual Backline ofrece listas de verificación de bienestar, guías de refuerzo positivo y videos que detallan los enfoques de terapia, todo de forma gratuita. Lincoln no puede pensar en un sello discográfico, una firma de gestión u otra compañía directamente adyacente al artista que ofrezca lo mismo.
Lincoln también le dice a MTV News que los músicos con los que ha trabajado a menudo dicen que han tenido problemas para encontrar un terapeuta o saber cómo comenzar la búsqueda. Y aunque ningún terapeuta u organización sin fines de lucro de atención de la salud mental puede llenar los vacíos de la industria de la música, el valor de un sistema de apoyo simplemente no puede subestimarse. Tamko proporciona un gran ejemplo.
“Tener una comunidad de artistas en varios niveles de su carrera” para “discutir los tratos o contratos de cada uno con sellos discográficos, marcas, mánagers y agentes de reservas”, dice Tamko, ha sido “muy importante”. También pide que “los artistas sean dueños de su trabajo, casi como un estándar”. (Tamko solo ha firmado con sellos discográficos que le otorgan la propiedad total de sus masters, una rareza en la industria). Ella dice que le gustaría ver más «cajas de resonancia y un punto de referencia para [musicians] que están mirando contratos por primera vez… que alguien más te diga: ‘Así es como funciona para mí. Esto es algo que puedes pedir. Esto es algo que se le permite rechazar. Creo que todo eso sirve como protección”.
Jones también destaca que “leer y comprender correctamente los contratos antes de firmarlos [them]” debería volverse más común entre los músicos para que puedan evitar tratos que los dejen con mucho menos dinero que la otra parte. “Debido a que conseguir un contrato discográfico es emocionante, muchos artistas no hacen esto”, explica. También dice que los artistas podrían intentar buscar «el consejo de un abogado especialista en la industria de la música». [and being] desconfía de cuánto tiempo duran los acuerdos (cuanto más cortos, mejor, para dejar espacio para la negociación en el futuro) y qué costos se le cobran al artista antes de recibir su porcentaje”. Advierte que algunos contratos “suenan bien en el papel [but] podría no ser en realidad una vez que profundices en los números”.
Donde estos asuntos contractuales pueden parecer confusos, Jones ha visto a los equipos de músicos tomar medidas mucho más simples para proteger la salud mental de los artistas. “He escuchado bastantes ejemplos de equipos que ponen la salud de un artista en primer lugar, y creo que esto se está volviendo más frecuente debido a la conciencia de la salud mental de la generación más joven”, dice. Ella cita «toda la atención [on] este problema en los últimos años” como una razón detrás de este cambio: “La conciencia ahora se ha traducido en acción”.
Bennett dice que su equipo actúa exactamente de esta manera. “Mi gerencia a veces me obliga a irme a casa temprano de un viaje si siento que ya no puedo trabajar”, dice ella. “Tuve un par de viajes en los que estuve en Los Ángeles y simplemente no quería hacer nada más porque estaba deprimido. Mi gestión sería como, ‘OK, vamos a enviarte a casa, y puedes tener un par de semanas para relajarte’. Eso ha sido realmente útil”.
Mientras tanto, Cutler encuentra cierto consuelo en tantos músicos de todos los niveles que están de acuerdo con su agotamiento acerca de que los músicos se sientan obligados a ser creadores de contenido. Pero es menos optimista cuando se le pregunta qué podría hacer la industria para proteger mejor la salud mental de los jóvenes músicos como ella. “No creo que nadie tenga un llamado a la acción viable en este momento”, dice ella. “Es como, OK, todos nos sentimos así, pero ninguno de nosotros tiene una solución”. Ella tiene razón: aunque los músicos son los más afectados por la falta de apoyo a la salud mental en la industria de la música, su trabajo es hacer buena música, no resolver estos numerosos problemas.
Dicho esto, a Lincoln “le encantaría ver… sellos discográficos, empresas de gestión, promotores y todas las demás partes interesadas que [run] esta industria contribuye al respaldo financiero que las personas necesitan para acceder a la atención de la salud mental”. Señala que, hasta que llegue ese día, los músicos pueden recurrir a MusiCares y el Fondo de músicos de dulce alivio para asistencia financiera. Sweet Relief, explica Lincoln, «aprobará una cierta cantidad de sesiones [for a musician], o le pagarán directamente al terapeuta por el tiempo que el terapeuta quiera firmar. Entonces, si el terapeuta dice: ‘Haré $3,000 [worth of appointments] a este ritmo [per appointment]’, entonces permite que MusiCares financie [musicians] para recibir terapia.”
Una vez que la industria intervenga de manera más activa, dice Lincoln, «en última instancia, estaría salvando vidas». Las redes sociales, el marketing digital, las relaciones parasociales, los bajos ingresos y los contratos desequilibrados podrían no desaparecer de inmediato, pero al menos los artistas finalmente tendrían el apoyo que necesitarían de una industria que durante mucho tiempo se ha negado a brindarlo. Mientras tanto, Tamko tiene una forma sólida de lidiar con la industria cuando se enfrenta a circunstancias especialmente difíciles. “Si puedo dormir por la noche en función de las decisiones que tomo”, dice, “entonces puedo rendirme un poco”.
