Farandulero
«Lo que sigue es un acto de imaginación femenina», declara una tarjeta de mosaico al comienzo de mujeres hablando. Es una descripción precisa: la función es la adaptación de la escritora y directora Sarah Polley de una novela de Miriam Toews, centrada en los miembros femeninos de una colonia menonita. Pero esas palabras iniciales también son una burla y un desafío: las mujeres están resolviendo su respuesta a años de abuso sexual calculado, años en los que los líderes masculinos de su secta silenciaron sus quejas al insistir en que los horrores que experimentaron pertenecían al reino de demonios o la «imaginación femenina salvaje».
En el centro de la película inteligente y compasiva de Polley está la creencia de que en las películas y en la vida, las palabras pueden ser acción, y para las personas a las que se les ha negado una voz, pueden ser revolucionarias. La inclinación filosófica y, a veces, cargada de fe de la discusión de mujeres podría desanimar a las audiencias que no están dispuestas a ir allí. Para aquellos que estén listos para dar el salto, la característica reflexiva y bellamente enfocada es una exploración gratificante que aborda no solo la situación de los personajes, sino también las preguntas existenciales que enfrenta cualquier mujer contemporánea que navega en escenarios patriarcales.
mujeres hablando
La línea de fondo
Una visión finamente elaborada de rabia y esperanza.
La novela de Toews de 2019 se inspiró en eventos horribles en una comunidad menonita en Bolivia, donde durante años las mujeres fueron drogadas y violadas mientras dormían por un grupo de hombres en su colonia. El libro giraba en torno a las deliberaciones de las mujeres, en un pajar, después de conocer la verdad sobre sus agresiones. Su conversación se filtró a través de la voz del único hombre en el que aún confiaban, el maestro de escuela August, alistado para tomar las actas de sus reuniones porque a ninguno de ellos se les había enseñado a leer o escribir. En la interpretación de Polley, August, interpretado por Ben Whishaw, es un personaje excepcionalmente conmovedor, pero las voces de las mujeres impulsan la historia sin intermediarios, traídas a la vida por un fuerte conjunto de recién llegados y talentos establecidos.
La película está rodada en formato panorámico por Luc Montpellier con una paleta desaturada de sepias, negros, grises y azules, un esquema visual realzado por el sutil diseño de producción de Peter Cosco y el vestuario de Quita Alfred, que expresa ingeniosamente personalidades dentro de las limitadas posibilidades de vestuario de las mujeres en este aislado lugar rural sin nombre.
Con un par de días para perdonar a los hombres que han sido arrestados por las violaciones, o ser excomulgados de la colonia y, por lo tanto, negados un lugar en el cielo, las mujeres votan tres posibles respuestas: no hacer nada, quedarse y luchar o irse. Estas son las opciones esenciales sobre cómo abordar cualquier crisis de la vida, pero para las personas que han vivido vidas tan protegidas, votar es una tarea extraordinaria. La cuenta es un punto muerto entre las dos últimas opciones, y las mujeres de dos familias son elegidas para examinar esas opciones y decidir.
Con todos los hombres fuera, ya sea en la cárcel o cuidando la fianza de los que lo están, la colonia se transforma: las mujeres están solas. Sometiéndose a una prueba que nunca habían imaginado, y conscientes de que se están embarcando en un trabajo sagrado que cambia la vida, se lavan los pies antes de comenzar su conversación. Pronto las creencias y los temperamentos chocan entre las ocho personas, que representan a tres generaciones, que se reúnen en el pajar. La más joven de ellas, Autje (Kate Hallett), ofrece la narración de voz en off utilizada juiciosamente, lo que indica un futuro más allá de este punto crítico. Autje y su mejor amiga, Neitje (Liv McNeil), un poco mayor, se trenzan el cabello, se hacen el tonto y suspiran mientras intercambian, ocasionalmente intercalando una o dos palabras de sarcasmo y perspicacia.
La pensativa y beatífica Ona (Rooney Mara), que está embarazada como resultado de su agresión, imagina una sociedad donde las mujeres reciben educación y participan en las decisiones que dan forma a la comunidad; ella brilla con ecuanimidad e idealismo. La madre de Autje, Mariche (Jessie Buckley), arremete contra casi todo el mundo con una feroz beligerancia mezclada con una vulnerabilidad tácita. Salomé (Claire Foy), que ya ha demostrado el coraje de desafiar las reglas de los hombres al buscar tratamiento médico para su hija enferma fuera de la colonia, expresa una ira menos conflictiva que la de Mariche, y Foy le da a los instintos maternos y la conciencia de la injusticia del personaje una fuerza formidable. energía.
La adolescente Mejal (Michelle McLeod) sufre ataques de pánico y ha comenzado a fumar desde su agresión. Las dos mujeres mayores del grupo, Agata y Greta, son figuras de sabiduría sencilla interpretadas a la perfección por Judith Ivey y Sheila McCarthy, respectivamente. La ira de las mujeres hacia los hombres es un despertar, que deshace vidas de resentimiento no expresado; los niños son otra cosa, y con solo unas pocas tomas de sus rostros jóvenes, Polley nos pide que consideremos cómo los niños inocentes crecen para convertirse en el tipo de hombres que detienen a las mujeres y, en ocasiones, las maltratan.
Su guión le da a cada uno de los personajes principales un monólogo. Frances McDormand, productora de la película, aparece brevemente en la pantalla como alguien que no puede imaginar dejar la comunidad; hay una historia no contada en las aparentes cicatrices de cuchillas en su mejilla; la forma en que la aceptación del abuso por parte de las mujeres se transmite de una generación a la siguiente se aborda en otra parte de la historia, de manera conmovedora.
Es el agosto de Whishaw, con su amor de toda la vida por Ono correspondido en amistad pero no romance, quien es la figura de la angustia de la película. Un exmiembro de la colonia cuya familia fue desterrada porque su madre «cuestionaba cosas» sobre las restricciones patriarcales de la comunidad, a veces está tan atormentado por el abatimiento: «Si estuviera casado, no sería yo mismo», le dice Ono después de sugerir se casan, que apenas puede terminar una frase.
El aspecto más fascinante de la historia es que vemos a estas mujeres alejadas del matrimonio y las tareas domésticas (aunque hay destellos de la sencillez espartana de sus hogares). Una vez que se reúnen en ese pajar, se centran en cuestiones monumentales de autodeterminación y autoliberación, y se hacen preguntas esenciales, el diálogo elocuente de Polley se basa en el material de origen y encuentra sus propios ritmos.
Lo que importa más que quién quiere quedarse y quién quiere irse es la forma en que las interacciones de las mujeres cambian a cada una de ellas y la forma en que encuentran armonía, a veces literalmente, uniendo voces en interpretaciones restauradoras de himnos tradicionales. En estas circunstancias, “Más cerca de ti mi Dios” y las citas de las Escrituras pueden ser expresiones de algo radical.
A lo largo de la película, la partitura de Hildur Guðnadóttir (bufón, Chernóbil) es una mezcla hábil de tradición y un sentido de anhelo, mientras que la inclusión de «Daydream Believer» de los Monkees enriquece una secuencia que involucra a un censista que es un hermoso pop de lo surrealista.
La cámara de Montpellier sigue a las niñas de la colonia mientras corretean por los campos con un lírico abandono infantil. Captura la luz interior de las mujeres, y él y Polley enmarcan las interacciones de las mujeres con composiciones formales que las arrojan al resplandor de algo histórico y perdurable. El mundo más allá de ellos, visto desde la puerta abierta del pajar, es un borrón impresionista. ¿Qué más podría ser para las personas a las que nunca se les ha permitido ver un mapa?
