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Reseña de teatro ‘Almost Famous’: Cameron Crowe recupera el fanatismo del rock de los 70 en una remodelación animada del musical de Broadway

Resena de teatro Almost Famous Cameron Crowe recupera el fanatismo

Ser un apasionado del rock en la década de 1970 era una vocación que requería tiempo y dedicación. Adelante, pon los ojos en blanco y gime «OK boomer», pero no había Internet para recuperar clips de rendimiento, ni servicios de transmisión de música, ni canales de videos musicales dedicados. Había estaciones de escucha en las tiendas de discos, donde las multitudes convergieron el día en que se lanzó un nuevo álbum anticipado; estaba la radio, que transmitía una sacudida de emoción cada vez que sonaba una canción favorita; y si tenía suerte, había paradas de giras de conciertos en su ciudad natal o cerca de ella.

Las colecciones de discos de los amigos eran regalos para compartir, como mini bibliotecas de préstamo. Muestras semanales de éxitos en las listas como Quiosco de música estadounidense o Tren del alma en los EE.UU, La parte superior de los estallidos en el Reino Unido o cuenta regresiva en Australia fueron la cita televisiva para los adolescentes fanáticos de la música.

Fandom sin el acceso de la punta de los dedos de hoy era una búsqueda más diligente, a menudo un juego de espera frustrante puntuado por chispas de alegría que te hacían sentir parte de una secta sagrada. Eso convirtió a los grandes periodistas musicales en veneradas fuentes de conocimiento.

La película de 2000 de Cameron Crowe Casi famosa —la mejor y más personal de sus películas— capturó esos tiempos embriagadores a través de un recuerdo semiautobiográfico de su propia experiencia como escritor adolescente. En su guión original ganador de un Oscar, el suplente del director, William Miller, de 15 años, consiguió un papel destacado para Piedra rodante, perfilando la banda de rock ficticia Stillwater. La película es un tierno drama sobre la mayoría de edad coloreado por la desilusión, la educación moral y el desamor, animado por la brillante dulzura de la memoria y el poder elevador de la música.

¿Tenía que convertirse en un musical de escenario? Discutible. Pero una cosa que el efusivo programa hace bien, al igual que la película que lo generó, es la energía contagiosa del rock ‘n’ roll en un momento de transición, 1973, cuando el espíritu crudo y rebelde del gran rock estaba dando paso al más hábil, más sonido comercializado del estrellato de consumo masivo. Para muchas bandas de época y artistas solistas, ese año fue un pico artístico que nunca volverían a igualar. Eso le da a las cuasi-memorias de Crowe, en ambas encarnaciones, una resaca agridulce de descubrimiento y pérdida simultáneos.

La otra gran ventaja que tiene el musical es su casting. En la película, los papeles clave de William y Penny Lane, la diosa etérea que flota entre un autobús turístico y una serie interminable de hoteles y salas de conciertos como si la música los llevara a los aires, fueron los primeros hitos de la carrera de Patrick Fugit y Kate Hudson, respectivamente. .

Como los ojos a través de los cuales vemos toda la historia, William es de suma importancia y el recién llegado Casey Likes es una guía muy atractiva. Equilibra la arrogancia necesaria para poner un pie en la puerta del estadio con la humildad de un niño sin experiencia que apenas puede creer que está viviendo su sueño. Al menos hasta que se agrie. También es un cantante fuerte, con una voz sorprendentemente grande y versátil que se adapta a una variedad de estilos.

Interpretando a Penny, la groupie «retirada» rodeada por una constelación de «Band-Aids» (Julia Cassandra, Katie Ladner, Jana Djenne Jackson) que viaja con Stillwater, Solea Pfeiffer hace un incandescente debut en Broadway, con la fabulosa interpretación de David Zinn de la firma de Penny. abrigo de piel de oveja, sin mencionar un par de pantalones cortos de ganchillo. Más allá de la apariencia, crea un personaje fiel al molde de la película pero con un poco más de agencia, vulnerable al dolor romántico pero que no es un juguete indigno de nadie, incluso si camina a sabiendas hacia un océano de dolor.

Pfeiffer recibe dos de las mejores canciones nuevas del compositor y letrista Tom Kitt para el programa, la anhelante contemplación de un futuro nuevo comienzo, «Morocco», y el dúo «The Night-Time Sky’s Got Nothing on You», en el que Penny y Stillwater se casaron. el guitarrista principal Russell Hammond (Chris Wood) intercambia listas de las cualidades que alimentan su intoxicación mutua. Pero la interpretación soñadora de Pfeiffer de «The Wind» de Cat Stevens es tan encantadora que es uno de los pocos momentos que casi me hizo desear que el espectáculo fuera un musical de máquina de discos.

«1973» de Kitt es un número de apertura bien elaborado que establece la frustración de William como un extraño asfixiado por su madre viuda sobreprotectora Elaine (Anika Larsen) y privado de que su genial hermana mayor Anita (Emily Schultheis) está haciendo un descanso para ella. libertad.

Sin embargo, más a menudo, las nuevas canciones son evanescentes. Cuando salpicas melodías artesanales de Broadway con muestras de Led Zeppelin, T. Rex, Lynyrd Skynyrd, The Allman Brothers Band, Joni Mitchell y otros, tal vez eso te deje con ganas de más de lo real. Pero Kitt, que fue un creativo clave en idiota americano y Píldora pequeña dentadaes un hábil tejedor de pepitas de rock en narrativas musicales, y gracias a sus arreglos y orquestaciones ingeniosamente combinados, así como a las magníficas armonías del conjunto, todo suena lo suficientemente fluido.

La decepción discordante para mí fue uno de los momentos fundamentales de la película: «Tiny Dancer» de Elton John, un conmovedor canto espontáneo para romper un momento de tensión en el autobús de la gira de Stillwater. Posicionado como el Acto I más cercano, comienza maravillosamente cuando los muchachos están cantando, pero luego entran las curitas y lo untan con melisma intrusivo. Ese estilo de vocalización ostentoso ha sido ineludible desde los años 80, pero se siente falso para el período aquí y me sacó del entorno minuciosamente evocado del musical. Por favor, solo canten la canción, damas, dejen caer los adornos; no es idolo Americano.

Uno de los puntos fuertes de Crowe como escritor es su capacidad para dar forma a personajes complejos que se convierten en la historia en lugar de simplemente viajar a través de ella. Eso se aplica no solo a William y Penny y al conmovedor rompecorazones Russell (cabello y bigote A+), sino también a Elaine, cuya tensión «No te drogues» se juega con humor, aunque no a expensas de su amor por su hijo.

Si bien Larsen se apega a los contornos de Frances McDormand en la película, aporta su propia profundidad al papel en dos canciones fabulosas que definen a los personajes. La melancólica pero divertida «Elaine’s Lecture», puntuada por el estribillo «Las estrellas de rock han secuestrado a mi hijo», es un reconocimiento conmovedor de cómo su ambivalencia inicial sobre convertirse en madre se convirtió en una preocupación constante por sus hijos en un mundo con las prioridades equivocadas. Y «Listen to Me» es una inteligente musicalización de la llamada telefónica en la que la intimidante Elaine impone la ley a Russell.

La dinámica de Stillwater está bien dibujada, particularmente el resentimiento enconado del inseguro y acicalado cantante principal Jeff Bebe (Drew Gehling, caricaturesco pero divertido), quien es incómodamente consciente de que Russell, más naturalmente carismático, es considerado la verdadera estrella de la banda. El constante deterioro de su relación y las tensiones por las demandas de su creciente fama a raíz de la exitosa canción «Fever Dog» (un pastiche acertado coescrito para la película por Crowe y su entonces esposa Nancy Wilson) le dan a William la carne para su Piedra rodante rasgo. Eso, por supuesto, causa conflicto, aunque es su amor no correspondido por Penny y su maltrato por parte de Russell lo que alimenta la creciente inquietud de William.

El profundo afecto del programa por su época es contagioso, lo que ayuda a disimular algunas de sus debilidades. Pero Crowe socava la autenticidad de su nostalgia con unos pocos guiños al futuro.

Al explicar por qué no ha llamado, William le dice a su madre: «No es como si pudieras llevar un teléfono contigo.” Y el eficiente nuevo manager de Stillwater (Jakeim Hart), asignado por el sello discográfico para expulsar al viejo amigo de la banda (Gerard Canonico), subraya la fugacidad de su momento al advertir que los fanáticos algún día encontrarán la manera de obtener su música gratis «desde una nave espacial en el cielo”, señalando también la improbabilidad de que Mick Jagger siga intentando ser una estrella de rock a los 50 años. El espectáculo es una carta de amor sincero a los años 70; ¿Por qué agregar chistes complacientes para que las audiencias contemporáneas se sientan por encima de eso?

Una elección astuta que hace Crowe es ampliar el papel del mentor de William, el legendario crítico de rock Lester Bangs (Rob Colletti), convirtiéndolo en un coro griego de un solo hombre que reaparece periódicamente para aconsejar a su joven protegido y lamentar el barro y las tripas que se drenan del rock. ‘n’ rollo. Es un hecho que William romperá la primera regla cardinal que Lester le inculca: «No te hagas amigo de las estrellas de rock». Así como Penny ignora su propio credo: «Sin apegos, sin límites».

El director británico Jeremy Herrin, elegido por Crowe en función de su puesta en escena del drama de adicción hipercinético y experiencial, Personas, lugares y cosas — mantiene las cosas moviéndose con fluidez en una historia que cubre mucho terreno, manteniendo siempre su enfoque principal en las relaciones íntimas. Los decorados de Derek McLane están enmarcados por andamios detrás del escenario, con cambios de escena que se asemejan a los roadies cargando equipo para cada nuevo concierto; Sus elementos de video incluyen un mapa de la pared trasera de los EE. UU., que aparece regularmente para mostrar el progreso de la gira de Stillwater, desde San Diego a Nueva York.

Es poco probable que el musical suplante el amor de alguien por la película. Pero en el exceso de cínicas adaptaciones de la pantalla al escenario que se han convertido en una epidemia en Broadway en los últimos 20 años, al menos es una que sale del corazón. Para cualquiera que haya pasado su juventud obsesionado con la buena música y creyendo que las estrellas de rock eran, bueno, estrellas de rock, Casi famosa llevará una dulce punzada de reconocimiento. Pasar los Quaaludes.

Lugar: Teatro Bernard B. Jacobs, Nueva York
Reparto: Casey Likes, Solea Pfeiffer, Chris Wood, Anika Larsen, Drew Gehling, Rob Colletti, Emily Schultheis, Daniel Sovich, Van Hughes, Julia Cassandra, Katie Ladner, Jana Djenne Jackson, Matt Bittner, Brandon Contreras, Gerard Canonico, Matthew C. Sí, Chad Burris, Jakeim Hart, Libby Winters
Libro y letra: Cameron Crowe
Música y letra: Tom Kitt
Director: Jeremy Herrin
Escenógrafo y diseñador de video: Derek McLane
Vestuario: David Zinn
Diseñadora de iluminación: Natasha Katz
Diseñador de sonido: Peter Hylenski
Diseñador vocal: Annmarie Milazzo
Orquestaciones y arreglos: Tom Kitt
Dirección y supervisión musical: Bryan Perri
Coreógrafo: Sarah O’Gleby
Productores ejecutivos: Sue Wagner, John Johnson, Jillian Robbins, Devin Keudell
Presentado por Lia Vollack, Michael Cassel, Joey Parnes



Fuente

Recopilado por Farandulero

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