Farandulero
De todos los musicales canónicos dejados por Stephen Sondheim, en el bosque quizás más que cualquier otro se presta a un tratamiento de diseño elaborado, con su acumulación de personajes de cuentos de hadas, tanto de alta como de baja cuna, y su entorno forestal que produce tanto encanto como desilusión. Las producciones recientes de Nueva York han conjurado minuciosamente ese ambiente de libro de cuentos con esplendor escénico o accesorios astutos, mientras que la estrellada película de 2014 de Rob Marshall fue una suntuosa mezcla de la estética de los hermanos Grimm y Disney. Pero el programa de 1987 sobre el despertar inquieto que sigue al “felices para siempre” funciona igual de bien en una presentación simplificada, poniendo el énfasis en el revisionismo cuestionador del libreto de James Lapine y las letras de Sondheim.
¡Ese es el caso de la hermosa producción de Lear deBessonet, que comenzó como un concierto semi-escenificado en los Encores! serie esta primavera y ahora se muda a Broadway por un período limitado de 8 semanas, con una mezcla de elenco original superlativo y nuevas y brillantes incorporaciones. en el bosque es posiblemente el más humorístico de los espectáculos de Sondheim, y este conjunto de algunos de los mejores talentos del teatro musical de Nueva York se divierte interpretando la comedia. Pero la alegría nunca es a expensas de la frágil humanidad de los personajes o de la intensidad del material.
El musical reúne a personajes de Cenicienta, Jack y las habichuelas mágicas, Rapunzel y Caperucita Roja, con no uno sino dos príncipes que buscan casarse, una bruja ansiosa por romper una maldición y un panadero y su esposa, desesperados por tener un hijo. Expresan sus deseos y los ven cumplidos en el primer acto, antes de que la dura realidad se derrumbe en el segundo acto para destrozar su felicidad, ya que se ven obligados a reevaluar sus elecciones y considerar no solo su propio destino sino el de su comunidad. Pregunta qué sucede cuando obtenemos lo que queremos pero aún queremos más; cuando la fantasía se disuelve dejando la decepción; y si el costo de nuestros sueños supera las recompensas.
Se consideran cuestiones de amor y justicia, coraje y astucia, libertad y pérdida, haciéndose eco de las formas en que todos nosotros, en algún momento de la vida, nos aventuramos “en el bosque” y ocasionalmente “nos desviamos del camino”, buscando el peligro para nosotros mismos. y otros. Si eso suena como la deconstrucción posmoderna de los 80 o algo sacado de Bruno Bettelheim Los usos del encantamientohasta cierto punto lo es, pero deBessonet y su elenco equilibran la luz y la oscuridad, los lados lúdicos y reflexivos del material con una delicadeza placentera, y finalmente ofrecen evidencia restauradora de cómo tomamos en cuenta la tragedia y crecemos a partir de ella aprendiendo a perdonarnos a nosotros mismos. y cuidémonos unos a otros.
Una buena parte de ese núcleo humanístico proviene del elenco ideal de Baker and his Wife, interpretado con química ganadora por el incondicional del escenario Brian d’Arcy James y la cantautora Sara Bareilles, quien ha demostrado su buena fe en el teatro musical en sus propias mostrar, Camareraasí como en el papel de Mary Magdalene en la presentación televisiva en vivo de NBC en 2018 de Jesucristo superestrella. Y sus considerables habilidades para la comedia parecen haber sido agudizadas por su trabajo en chicas5eva.
Hay una verdadera emoción en su conexión y en el anhelo compartido por un hijo que los entristece tanto que los obliga a tomar decisiones morales cuestionables. Su canción del Acto I, «It Takes Two», es una afirmación conmovedora de una pareja que se redescubre el uno al otro. Sin embargo, incluso cuando sus esperanzas son satisfechas, quedan incompletas, sus sentimientos en conflicto explorados en dos de los números más destacados del segundo acto de la producción: «Momentos en el bosque» de Baker’s Wife, que reflexiona sobre las oportunidades limitadas de una vida que siempre es «o ”, muy rara vez “y”; y «No More» de Baker, un rechazo roto de la necesidad eterna. Bareilles y d’Arcy James profundizan en las preguntas existenciales de esas canciones introspectivas con una vulnerabilidad que va más allá porque durante tanto tiempo han estado embriagados por la emoción de lo que la magia puede traer.
Su búsqueda, el viaje central entre un puñado de arcos que le dan a este espectáculo su impulso hacia adelante, es una serie de desafíos que les plantea su vecina cascarrabias, la bruja (Patina Miller). Para romper el hechizo de su falta de hijos, los envía al bosque a buscar “una vaca blanca como la leche, una capa roja como la sangre, el pelo amarillo como el maíz y una zapatilla pura como el oro”, dándoles frijoles. de su jardín con el que regatear. El motivo oculto de la bruja es romper su propia maldición, dándole la espalda de una bruja marchita a su antigua juventud y belleza.
Miller, que ha estado ausente de Broadway desde su papel ganador de un premio Tony como protagonista principal en Reineta, pasa gran parte del primer acto con una máscara grotesca, una peluca de miedo, una capa desaliñada y garras, disfrutando de la crueldad alegre de su personaje sin ocultar por completo su desesperación subyacente. Su transformación es un fabuloso cambio de imagen de diva que la pone en un vestido morado y una capa (con la opción de traje de pantalón), dándole un cabello negro liso y un físico tonificado para que coincida con su guardarropa glamoroso. Pero en un cuento con moraleja que advierte que hay que tener cuidado con lo que se desea, las mejoras externas se obtienen a costa de sus poderes, lo que significa que cuando el cuento de hadas se agria, ella no está mejor que nadie en el bosque para enfrentarse al desastre.
Esa cohorte incluye a Cenicienta (Phillipa Soo), que anhela escapar de su monotonía e ir al festival del palacio, luego lo piensa mejor cuando su Príncipe (Gavin Creel) se vuelve fuerte, pero se casa con él de todos modos. Little Red (Julia Lester) se va a quedar con su abuela (Annie Golden), ambas parecen presa fácil para un lobo lascivo (Creel nuevamente) hasta que el panadero tropieza con la escena. Su cansada madre (Aymee García) ordena al gentil muchacho Jack (Cole Thompson) que venda su amado Milky White, dado que la vaca de aspecto lamentable ya no produce leche. Y Rapunzel (Alysia Vélez), encerrada en una torre, ha estado compartiendo su canción melodiosa y su larga trenza dorada únicamente con la Bruja hasta que su propio Príncipe (Joshua Henry) deambula.
El mashup genera una gran cantidad de comedia general, caídas divertidas y bromas para reflejar los motivos musicales recurrentes de «I Wish» e «Into the Woods», tan hábilmente establecidos en el prólogo de múltiples capítulos.
Los aspectos más destacados del cómic incluyen «Hello, Little Girl», de Wolf dandified, con Creel dando una primera impresión pervertida antes de enmascarar sus apetitos malsanos detrás de una rutina suave y suave. El actor es aún más glorioso como el príncipe vanidoso y desvergonzadamente superficial («Me criaron para ser encantador, no sincero», admite más tarde), formando un equipo hilarante con Henry como su hermano un tanto deferente en su dúo de declaración de posturas, » Agonía.» Henry es conocido principalmente por sus papeles dramáticos, pero su nobleza tonta aquí te hace esperar que se desvíe hacia la comedia con más frecuencia. Y esa voz es magnífica.
Dos talentosos jóvenes recién llegados, Lester y Thompson, hacen su parte del robo de escenas. Lester’s Little Red es todo un malcriado derecho milenario, que se sirve con avidez productos horneados azucarados que nadie cree que sean para Granny. Su «I Know Things Now» nunca ha sonado tan divertidamente petulante y sus réplicas inexpresivas a los adultos no tienen precio. El Jack de Thompson es su contrapunto perfecto: un niño tierno y adorablemente inocente que, sin darse cuenta, trae el caos; su asombro genuino mientras canta «Giants in the Sky» es contagioso, al igual que su devoción por Milky White.
La vaca es uno de los cautivadores diseños de marionetas de James Ortiz. Observas sus ojos tristes y el movimiento expresivo del cuerpo con la misma atención que se presta a todos los personajes principales, mientras Cameron Johnson (que cubre a Kennedy Kanagawa en la actuación revisada) maneja hábilmente sus requisitos físicos y vocales. El desafío de animar a este personaje principal sin palabras se ha enfrentado con una serie de conceptos en en el bosque producciones a lo largo de los años, y esta es posiblemente la forma más desarmante en la que he visto a la vaca cobrar vida. La multitud lame cada una de sus apariencias.
El otro personaje clave es la Cenicienta de Soo, uno de sus mejores papeles desde su actuación demoledora como la Eliza original en hamilton. Es pura de corazón pero adorablemente chiflada, habla con los pájaros (obra más encantadora de Ortiz), tropeza frenéticamente por el bosque con una zapatilla dorada y se detiene para empatizar con la esposa del panadero en su búsqueda, incluso cuando se niega a renunciar al zapato. La soprano cristalina de Soo suena más ligera que el aire en el autoexamen ambivalente de Cenicienta, «On the Steps of the Palace», y su voz en «No One is Alone» hace que ese recordatorio solemne de las comodidades de la solidaridad sea intensamente conmovedor.
La sombra invasora de lo que está por venir atraviesa la alegría por todas partes, y la destrucción provocada por la esposa vengativa de un Gigante asesinado, expresada por el invaluable Golden y visualizada con una maravillosa inventiva que es mejor dejarla como una sorpresa, es igualada por los cálculos individuales de cada uno. personaje. Esas experiencias también se convierten en un despertar colectivo, canalizado en el número de cierre cargado de emociones, «Children Will Listen», dirigido por Miller’s Witch. Las otras grandes canciones del personaje, «Stay with Me», «Witch’s Lament» y «Last Midnight», todas son interpretadas por Miller con un sentimiento de euforia comparable.
El diseño simple pero efectivo de David Rockwell consiste inicialmente en versiones de casas de muñecas de las casas de Cenicienta, Baker y Jack, suspendidas sobre sus respectivos accesorios de identificación: un balde, un carrito de pastelería y un taburete de ordeño. Pero incluso esos elementos mínimos desaparecen para ser reemplazados por troncos de abedul y una luna cambiante en la parte posterior de la orquesta de 14 piezas del director musical Rob Berman, sentada en el escenario detrás del espacio de juego. Escuchar las deslumbrantes orquestaciones de Jonathan Tunick interpretadas y cantadas tan exquisitamente sirve como un maravilloso tributo a Sondheim, cuya muerte en noviembre pasado dejó a Broadway con una inconsolable sensación de pérdida que resuena en los sombríos momentos de este espectáculo.
Lugar: St. James Theatre, Nueva York
Reparto: Sara Bareilles, Brian d’Arcy James, Patina Miller, Phillipa Soo, Gavin Creel, Joshua Henry, Julia Lester, Cole Thompson, David Patrick Kelly, Annie Golden, Nancy Opel, Aymee García, Ta’Nika Gibson, Albert Guerzon, Brooke Ishibashi, Kennedy Kanagawa, David Turner, Alysia Vélez
Director: Lear de Bessonet
Música y letra: Stephen Sondheim
Libro: James Lapine
Escenógrafo: David Rockwell
Vestuario: Andrea Hood
Diseñador de iluminación: Tyler Micoleau
Diseñadores de sonido: Scott Lehrer, Alex Neumann
Diseñador de marionetas: James Ortiz
Director musical: Rob Berman
Orquestaciones: Jonathan Tunick
Coreógrafo: Lorín Latarro
Productor ejecutivo: Nicole Kastrinos
Presentado por Jujamcyn Theatres, Jordan Roth, New York City Center, Daryl Roth, Hunter Arnold, Concord Theatricals, Nicole Eisenberg, Jessica R. Jenen, Michael Cassel Group, ShowTown Productions, Armstrong, Gold & Ross
