Los realizadores de ‘Ultraman: Rising’ hablan sobre la animación de estilo gráfico, un «tema familiar» para la banda sonora y muestran un nuevo lado del superhéroe

ultraman ha sido una franquicia de medios prominente en Japón desde la serie de televisión UltraQ se estrenó por primera vez en 1966. Incluso desde la distancia, el personaje tuvo un impacto en una joven Shannon Tindle que crecía en la zona rural de Kentucky, quien se convertiría en la escritora y directora de la película animada de Netflix. Ultraman: en ascenso. Junto con el codirector John Aoshima, la pareja sacó a relucir un nuevo lado del gigante luchador de kaiju con un enfoque en el cuidado en lugar de la destrucción.

La película sigue a Ken Sato (Christopher Sean), una estrella del béisbol que regresa a Japón para asumir el papel de Ultraman cuando su padre se jubila. Aunque su actitud descarada y egocéntrica no le consigue muchos admiradores, su perspectiva pronto cambia cuando se convierte en el cuidador de Emi, una kaiju recién nacida.

Deadline tuvo la oportunidad de sentarse con Tindle y Aoshima, así como con el supervisor de efectos visuales Hayden Jones y el compositor Scot Stafford en Industrial Light & Magic (ILM) para discutir la animación.

Tindle ha tenido la idea de esta película en mente durante los últimos 23 años y siempre ha tenido la misma premisa básica. Pero no fue hasta que se convirtió en padre que realmente entendió cuán profunda debería ser la relación familiar entre Ken y Emi. “Antes de mi hija, por supuesto, conocí la experiencia de ser una persona soltera y egoísta que puede hacer lo que quiera prácticamente en cualquier momento que quiera”, dice. «Pero cuando llega un niño, hay que hacer ciertos sacrificios y es difícil».

Aoshima también tenía una conexión personal con Ken, ya que él también es un japonés americano que se sentía fuera de lugar cuando era más joven. “Comencé a compartir algunas historias de mi infancia”, dice. “Quiero decir, en ese momento pueden ser categorizados como algún tipo de trauma, pero como adulto mirando hacia atrás, realmente mostró cuál fue mi viaje y ese viaje es lo que quería compartir con Shannon, que puede ayudar a brindar una experiencia real y auténtica. el personaje. No entramos en detalles en la película, pero puedes sentirlo. Puedes sentir cuál es el chip en el hombro de Ken”.

La idea de familia era tan profunda que Stafford decidió crear un único “tema familiar” para la partitura y derivar los temas de los personajes a partir de eso. “Necesitaba tener todo interconectado”, dice, “así que mis dos soluciones para eso fueron que cada tema musical se interconectara y orbitara alrededor del tema familiar, solo para que todo tuviera la misma estructura de ADN, y luego necesitaba tener un instrumento que lo mantuvo real”.

Ese instrumento era el arpa, que según Stafford era el corazón de la partitura y el instrumento más versátil que podía utilizar. El mejor ejemplo, dice, es la primera escena de la película en la que un joven Ken prepara ramen y mira béisbol con sus padres. “Necesitaba que la música pareciera el comienzo de una historia clásica de superhéroes, pero que también tuviera profundidad e intimidad, y que simplemente se sintiera como el abrazo más grande y cálido que podría dar, porque en el momento en que se alejaba, quería que doler. Para hacer eso, necesitas tener el instrumento que suene más hermoso, tierno e íntimo, y seguí volviendo al arpa por su capacidad para hacer eso, pero también por su capacidad de cambiar con solo cambiar ligeramente la técnica de donde se toca. El jugador sostiene sus dedos”.

Aunque el arpa era el instrumento principal, la partitura también utilizó sonidos de 8 bits y el guitarrista de Polyphia, Tim Henson, para componer la acción. La guitarra eléctrica de Henson tenía sentido para las peleas de kaiju, pero Stafford tuvo algunas dificultades al principio para descubrir cómo incorporar los sintetizadores de 8 bits sin que pareciera que estaban ahí puramente por nostalgia. «Lo que los sonidos de 8 bits funcionaron realmente bien fue en medio de una escena épica, donde hay todo tipo de secuencias de acción y coreografías increíbles, pero algo no va bien… ahí es donde entran los 8 bits», dice. «Es el sonido de Ken fallando, mientras que Tim Henson era el sonido de Ken pateando traseros».

Ambos sonidos tenían sentido para las secuencias de acción, ya que el estilo de animación recordaba al anime o las novelas gráficas pero con un estilo visual único gracias a los efectos visuales. «Observamos mucho diferentes estilos de peleas de anime y fotogramas de impacto, en los que simplemente se invierte el color o se le da un estilo ligeramente diferente durante un par de fotogramas», dice Jones.

Además de los fotogramas de impacto, Jones también dice que eliminaron el desenfoque de movimiento y agregaron manchas a la animación para emular un estilo anime, lo cual es algo totalmente nuevo para ILM. «Te hacía sentir como si el movimiento fuera muy rápido y realmente veloz, pero no era un movimiento borroso como lo que normalmente usamos en ILM», dice. «Entonces, contratas a artistas que casi pueden desaprender cómo lo han estado haciendo durante años y años, y dices: ‘Está bien, te quitaremos todas estas herramientas a las que estás acostumbrado y tenemos que venir’. «Prepárate con un nuevo conjunto de herramientas». Y trabajar en ILM es como tener la mejor caja de herramientas del mundo”.

Trabajando junto con los realizadores, Jones y su equipo pudieron descubrir nuevas formas de incorporar una estética anime manteniendo el estilo original. «Muchas inclinaciones, muchas manchas, muchas referencias de anime que nos encantan», dice. “Y al reunirlos a todos, realmente podríamos diseñar Ultraman: en ascenso en esta apariencia visual magníficamente única”.

Gran parte de esa apariencia surgió al recrear una versión auténtica de Japón, lo cual era importante para todos los involucrados en el proyecto. «Teníamos muchos miembros del equipo que vivían en Japón o eran de Japón», dice Tindle. “Está el Tokio que ves en las películas, que tiende a centrarse únicamente en lugares como Akihabara, pero queríamos darle ese matiz. Es una ciudad grande y sorprendente”.

Jones dice que la investigación para encontrar la ciudad correcta fue extensa, más allá de simplemente mirar mapas y edificios. «Netflix creó un comité cultural japonés que se aseguró de que todo lo que estábamos haciendo fuera realmente auténtico y también nos dieron pequeñas sesiones informativas sobre lo que era ser japonés y vivir en Tokio», dice. «Estos fueron excelentes para informar a los artistas sobre cosas que eran importantes… Algunas áreas de Tokio tienen un estilo de construcción determinado que otras, y tuvimos mucho cuidado de hacer que cada una se viera y se sintiera como el área en la que estábamos».

«Lo que me encanta es que algunos de nuestros artistas japoneses que vinieron de Japón han compartido cómo aprendieron a entender qué es Japón desde una perspectiva japonesa», añade Aoshima, «porque puede que no sea una ciudad en la que están cerca, pero en cierto modo lo entienden… Si realmente lo evalúas para tener una representación adecuada de la ciudad, entonces implica un peso y una responsabilidad extra retratar a tu país de origen de forma adecuada, así que creo que ahí es donde reside gran parte de ese amor. viene.»